I fiori del male .. in prosa!

I fiori del male in ...prosa. #MeD edizioni.

                                           Udite, udite!!

Al solito centro commerciale mi cade l'occhio su un'edizione dei Fiori del male, molto, troppo esile. Sfoglio per curiosità e vedo pagine piene di testo! Si saranno sbagliati coi Piccoli Poemi in Prosa, penso perplessa, ma non mi tornano i conti. Leggo, ed a pagina uno trovo "Al lettore". Sono proprio I fiori del male, in versione creatiNa! Cioè, un'edizione che partiva creativa, ed è uscita cretina. Sbalordita! 

Questa edizione apparentemente economica, costa caro al senso ed alle intenzioni del poeta, e se a uno scritto sottrai senso ed intenti del poeta... Che te ne fai più?  

Potremmo chiamarli "I fiori del mare", carino...per cambiare un po'... La vista è un bene prezioso, quindi, se proprio dovete, comprate la versione bilingue (sempre) con note ed intro di Massimo Colesanti. Si avrà l'impressione che ne sia valsa la pena, e costa meno di 10 euro, cioè nulla rispetto alla qualità della critica inclusa.

Che hanno combinato costoro della MED?

Per comodità hanno pensato di riscrivere questo libro, per aggiornarlo un attimo e dargli una svecchiata e soprattutto per infilarci un po' dell'amato dilettantismo che è l'anima del 2016/17. 

Si è pensato di procedere ad una comoda conversione da poesia a prosa, tanto che cambia?! Basta che uno gli dia una letta, si faccia un'idea... Certo! Poi ci sono i ricettari vegani nello scaffale più in giù, e sospetto siano più puntigliosi e rispettati di opere che hanno superato secoli bui, secoli accesi e secoli in penombra, per approdare al "tanto è uguale" del 2017, ma non lo è affatto! 

Mi spiace per chi, comprando questo libro di 3,90 euro, penserà di avere a casa I fiori del male. 

Si chiama #poesia perché ogni parola è pesata col bilancino, perché ci sono rime, strutture su cui riflettere e perché se il poeta avesse voluto scrivere della prosa, l'avrebbe fatto! 

Baudelaire, quando ancora era vivo e poteva difendersi, non tollerava che si omettessero le maiuscole ed i punti dove lui li aveva collocati! Chissà che direbbe se si scoprisse in prosa. 

Che sarà mai? Gli avrà detto il tizio di turno, e lui senza mezzi termini deve avergli risposto qualcosa del tipo: preferisco che non mi si pubblichi se non sapete rispettare il testo! ... e non erano che maiuscole (cioè allegorie, quindi personificazioni, dunque importanti e funzionali al testo. Faceva benissimo ad arrabbiarsi). 

Scrivere in prosa non è come scrivere in versi e pare strano doverlo ricordare ad una casa editrice. Insomma, non comprate questa roba!

#ifioridelmale... Ma anche no. #CharlesBaudelaire finisce sempre al torchio, poverino. 

I FIORI DEL MALE.

...Una nuova edizione, tradotta da Romano Palatroni. 

La prossima novità Gwynplaine (Marchio editoriale Dakota Press)

Segnalo l'uscita di un'edizione di Fiori in lingua italiana, tradotta dal marchigiano Romano Palatroni. 

Il libro è del 1959, ed è stato pubblicato postumo, due anni dopo la morte del traduttore. 

A cinquantasei anni dalla prima pubblicazione, Gwynplaine edizioni (Camerano -AN-) casa editrice indipendente, rinnova l'appuntamento coi lettori del  poeta "maledetto" per antonomasia, riproponendo"I fiori del male" tradotto in uno stile che rispecchia il tempo in cui il lavoro è stato realizzato. Il curatore dell'opera è Antonio Prenna, la prefazione è stata scritta da Davide Rondoni. Il libro contiene anche un'intervista ad Umberto Piersanti. Infine, la bellissima illustrazione di copertina, è di Cecilia Tantucci.  

Orlando Micucci, che è a capo della Gwynplaine, oltre che mio amico, si è sentito attratto dall'idea di svolgere un'operazione culturale tout court, e quindi si è impegnato a divulgare una versione dei Fiori scritta da un signore che viveva ad Osimo, vicino Camerano, la cui storia è stata puntualmente raccontata dal curatore, Antonio Prenna. 

Tradurre è un po' riscrivere, perché per neutri che si rimanga, c'è sempre qualcosa di personale nel risultato finale, e lì sta la sfida e anche il timore, immagino. Lo stesso Baudelaire, folgorato da Edgar Allan Poe, si occupò a lungo di tradurre le sue opere in Francia, introducendo così in  Europa l'autore di poesie come "The raven" -il corvo- e racconti come "il gatto nero", passando per le sue riflessioni critiche. Mallarmé, anni dopo, seguì le orme di Baudelaire, scrivendo in principio poesie con titoli uguali ai suoi, ma anche traducendo a sua volta E.A.Poe, ed il confronto fra i due mostra l'evoluzione del secondo sulla via di un ermetismo che, in quanto tale, si voleva "difficile" da decifrare, tanto che spesso, leggendo Mallarmé, si ha l'impressione di dover tradurre due volte ogni singola parola: dal francese all'italiano, e poi dal simbolo che ogni termine contiene, al concreto. Penso a "ses pures ongles" (Le sue unghia pure), storia di un lutto, con termini tipo "pthyx", che fanno parte di un ideoletto, cioè un linguaggio che è solo suo (come capirlo senza un "dizionario" in grado di "tradurre" il significato di un termine che, paradossalmente, neppure esiste?).  
Tradurre non è solo una questione letteraria o testuale in genere, ma accade ogni volta che si comunica. Penso a Joyce che studiò la lingua di Ibsen così da potergli esprimere gratitudine per la portata innovativa del suo teatro. Penso anche ad un articolo per lo meno fantasioso letto qualche tempo fa, secondo il quale, Baudelaire avrebbe vinto I fiori in una fortunata mano a carte con l'amico Nerval, che è tutto un dire... tuttavia, costui sta studiando, scavando negli archivi e, a modo suo, sta riscrivendo per l'ennesima volta, una storia fin troppo travagliata, nel tentativo di screditare fino all'ultima virgola, un poeta che già in vita dovette subire svariati atti di arroganza. 

Baudelaire, quant à lui... 

-dati sparsi-

Baudelaire ha scelto nelle vesti di poeta, il mestiere dell'alchimista. 

"Tu m'as donné ta boue, je n'ai fait de l'or" scrive in un progetto di epilogo per la seconda edizione dei Fiori, nel 1861. Che significa? L'alchimista è un lontano antenato del chimico, del fisico, dell'astrologo, e anche del medico, quindi il poeta decide di praticare mestieri del passato remoto, in un periodo in cui le scienze avanzano velocemente, e con esse il "progresso", inteso sempre più in senso economico e criticato da Baudelaire, che in quest'ottica sceglie la "religione" del Dandy, e relativo culto dell'INutile, da opporre al "dieu de l'Utile" che implacabile e sereno avvolge i bambini in pannolini di bronzo... fortissima metafora della materia che trasforma la persona, e la contorce [ Poesia V: J'aime le souvenir de ces époques nues], con la stessa logica, assistiamo al risveglio del "Travail" nella poesia Il cigno, fra le più apprezzate e note, per complessità e ricchezza tematica. Ho evidenziato le lettere "U" di utile, e "T" di travail, perché si trovano così nel testo, e perché la maiuscola serve a fare allegoria del termine, quindi a personificarlo. "Tutto per me diventa allegoria". Qualcuno vede nella metafora dei pannolini di bronzo, il mestiere dello scrittore che, attraverso la poesia, filtra i dati del reale nella sua mente, e li "contorce", li modifica, in base alle sue esigenze creative, dunque non un'arte "realista" che si limita a riproporre ciò che vede, non un'arte "romantica", frutto di ispirazione piovuta dal cielo, ma una poesia che tante volte i critici, hanno avuto la tentazione di definire moderna, ovvero situata in una linea di confine fra passato e futuro, fra sonetto e verso libero, fra raccolta poetica e libro custode di una "terribile moralità". 

Perché il mondo va a rotoli? 

Rousseau, attribuisce ogni responsabilità alla società ed esalta la natura, che invece è purezza. 

Balzac pensa che sia l'interesse personale la causa del male moderno, e anche lui, praticamente coetaneo di Baudelaire, deve affrontare il cambiamento radicale e definitivo della città e dei meccanismi che muovono la società sotto Napoleone III. 

"Paris change!Mais rien dans ma mélancolie/n'à bougé! Palais neufs, échafaudages, blocs/vieux faubourgs, tout pour moi devient allégorie/et mes chers souvenirs sont plus lourds que des rocs" 

-Il cigno II parte vs 29/32

Ovvero:
Parigi cambia! ma nulla nella mia malinconia (sentimento moderno) è cambiato! Palazzi nuovi, impalcature, massi, vecchi sobborghi, tutto per me diventa allegoria, e i miei cari ricordi sono più pesanti delle rocce. 

Romanzi come L'Assommoir (L'ammazzatoio) 1877 di E.Zola avrebbero raccontato le vite fantasma di masse di lavoratori inghiottiti dai cantieri la mattina, e restituiti al buio delle strade e delle cantine la sera, dove un sinistro alambicco produceva sostanze alcoliche che li avrebbe storditi e resi simili a bestie. Sesso ed alcol sono dopotutto il solo lusso dei poveri, e il suo è un approccio "naturalista", come la scuola da lui fondata, e quindi l'autore è attento a rendere un'idea sociale, politica, quasi visionaria, a dispetto del pretesto di mantenersi fedele ai documenti che lo ispirano. Ho citato questo romanzo, perché si parla dei lavori edili parigini ai tempi del barone Haussmann, e Baudelaire parla dello stesso argomento, anche se, in questo caso, allude a  lavori di bonifica in zona Louvre, mentre Zola racconta di rue de la Goutte d'or, in zona Montmartre. 
La città cambia, ci sono infatti i lavori in corso. I blocchi, le impalcature acquistano con Baudelaire il diritto di cittadinanza in una poesia che ha toni estremamente "alti" e nobili. "Il cigno" è infatti un animale nobile, costretto però a vivere in un serraglio che, per quanto sia d'oro è pur sempre una galera. Esso evoca il "cigno di Mantova" che è Virgilio, autore dell'Eneide, da cui il riferimento ad Andromaca, nota anche per la fama  teatrale di Racine, gloria nazionale del secolo che precede i Fiori. 
Anche Victor Hugo è una figura letteraria nobile, oltre che reale. Esule a Guernsay per via di un decreto di espulsione da parte di Napoleone III, nel 1859 -anno della composizione poetica- potrebbe tornare in Francia se lo volesse, ma rifiuta sprezzante. Da ciò, il pretesto per scrivere la poesia, da parte del poeta. La dedica sulle prime sembra scollegata al resto, invece è funzionale a tutto un discorso che volge a nobilitare l'esilio, inteso -anche- come estraniamento, e poi il dolore e la malinconia, sentimenti moderni, romantici, e anche ... i lavori in corso, che sono un segno tangibile della modernità, intuibile anche dalle nuove architetture, dai sontuosi boulevard che oggi fanno la gioia dell'occhio del turista, ma allora servivano ad impedire attacchi nemici a Napoleone, ed erano volti a "firmare" la città che mai avrebbe dimenticato il nome dell'imperatore, impresso in ogni pietra, che Hugo, sprezzante, aveva definito nei primi anni di esilio: "Napoléon le petit", in rapporto al suo predecessore. 
Cigno-Hugo-Andromaca: Esuli, sofferenti, nobili. In effetti, la morale ultima sembra essere che la sofferenza nobilita chi la vive (come già aveva detto nella poesia Bénediction, la prima di Spleen e Idéal) e non solo Hugo, Andromaca, il cigno, la negra, ma tutti si sentono esuli in Francia da quando Napoleone III si è preso il potere e trasforma la città a sua immagine. Con lui, chiaramente, il maggior capo d'accusa è rivolto alla borghesia, forza economica, con poco gusto estetico. "Voi siete la maggioranza, ma occorre che impariate a sentire la bellezza", scrive su l'artiste verso gli anni quaranta. 

Questa poesia, così come tutta la sezione II dal titolo "Tableaux parisiens" porta critici come Walter Benjamin, ma anche Baudelaire stesso, a parlare di poesia della "modernità". Il poeta quasi se ne scusa, perché sa che l'impatto sui suoi coetanei, romantici, quindi bendisposti verso il lago, la vegetazione, i nobili sentimenti, potrebbero non capire le sue intenzioni. "Ipocrita lettore-mio simile-mio fratello!" così conclude la poesia Au lecteur, nella quale chiede al "candido lettore" romantico di togliersi la maschera e di guardarsi dentro, per dare il nome esatto alle cose.  


La quartina sopra citata sembra rispondere ad Alphonse de Lamartine, autore di: "Meditazioni poetiche" che nel 1820, cioè un anno prima della nascita di Baudelaire, introduce ufficialmente il romanticismo nella poesia francese, per via del suo incredibile successo. Nella nota elegia "Le lac", egli scrive: O lago! Rocce mute! grotte! foreste oscure! voi che il tempo risparmia o che può ringiovanire/custodite di questa notte, custodite bella natura, almeno il ricordo"
Baudelaire ricorda e sottolinea che esiste un fenomeno crescente di urbanizzazione, tale per cui "voi che il tempo risparmia" non è molto esatto. "Paris Change!" infatti, ed è impossibile ormai fingere che non stia succedendo. E' stato notato che vicino al lago di cui parla Lamartine, c'era uno stabilimento balneare turistico, di cui il poeta ha preferito non fare menzione, forse perché avrebbe tolto efficacia al ruolo della natura, più forte dell'uomo ed invariabile nei secoli. Baudelaire parla di calcinacci, blocchi e in sintesi, pone la mente e nello specifico, la creazione poetica, nella condizione di essere unica possibile custode della memoria: "tutto per me diventa allegoria, e i miei cari ricordi sono più pesanti delle rocce" Le stesse rocce alle quali Lamartine chiedeva di custodire il ricordo del suo amore. 
La natura è fonte di massima ispirazione per i romantici, spesso personifica sentimenti e stati d'animo, e il solo contemplarla, basta a far nascere la tanto osannata "ispirazione poetica" che cade dall'alto. Baudelaire, come Poe, come Balzac e ancora di più Flaubert, pensa che l'arte debba nascere da un lavoro intellettuale, lucido e razionale sul verso, quindi rinnegare la natura, è un modo come un altro per sottolineare il passaggio epocale dal romanticismo al Parnasse, la famosa tendenza poetica nata nella seconda metà dell'ottocento, e dedita al culto dell'arte per l'arte, massima che Hugo aveva coniato parlando di T.D. Gautier, al quale I fiori del male sono dedicati: 

"Al poeta impeccabile, 

al perfetto mago delle lettere francesi, 

al mio carissimo e veneratissimo 

maestro e amico 

Théophile de Gautier 

con i sentimenti 

della più profonda umiltà, 

dedico 

questi fiori malaticci" 

Allo stesso modo, nella poesia "Rêve parisien" -sogno parigino- che chiude la sezione II, l'autore parla di una realtà urbana nella quale "Par un caprice singulier/J'avais banni de ces spectacles/le végetal irrégulier", quindi non solo la natura non conserva la memoria, ma va cancellata e riscritta, seguendo il mestiere antico dell'alchimia. Tu, Parigi, mi dai il tuo fango, il tuo lato oscuro, ed io, poeta, ne ho fatto poesia, ho trasformato la materia in versi, ho fatto nascere fiori (bellezza) dal male, che è sempre esistito, quindi occorre rendersi coscienti, esplorarne le estremità. 

Il fine ultimo di questo libro, che per rispetto al poeta, mai chiameremo "raccolta", ma sempre e solo "libro", è di renderci forse più cinici, ma più onesti con noi stessi. Pronti infine a guardare il lato oscuro, per cogliere da esso una "terribile moralità", ovvero ciò che Le figaro, e poco dopo l'istruttore Pinard (passato alla storia per aver processato Mme Bovary e poi I fiori del male a distanza di qualche mese) non hanno saputo cogliere, giudicando il libro in base a banali regole di convenzionale costume borghese. 

Perché il mondo va a rotoli? Ci chiedevamo. Perché negare il male significa perpetrarlo, secondo Baudelaire, convinto che il solo progresso possibile, sia di tipo morale, dunque individuale, e non economico/borghese. Per questo cita il peccato originale, che è il momento della "caduta", da uno stato di primaria perfezione, verso uno stato in cui bene e male sono diventati parte inscindibile di ognuno di noi. E' stato anche notato che, a dispetto della incessante terminologia cattolica, sembra strano elogiare tanto Dio, senza mai citare Cristo, e limitandosi a parlare di Satana..."che culla a lungo il nostro spirito incantato, e il ricco metallo della nostra volontà è tutto svaporato da questo sapiente chimico" -au lecteur- poesia prologo.  Anche Satana dunque, come il poeta, si occupa di trasformare cose. A lui spetta il mestiere del chimico, parente a quello dell'alchimista, anche se egli opera nello spirito delle persone, uno spirito debole e pigro che non compie omicidi e stupri solo per pigrizia, non perché non ne abbia desiderio: 
"Se stupro, veleno, pugnale ed incendio/non hanno ancora ricamato con segni piacevoli/di pietosi destini il banale canovaccio/è che l'anima nostra, haimé! non è troppo ardita" -Au lecteur- vs 29/32 

L'uomo moderno, oltre ai sette peccati capitali, è alle prese con un nuovo mostro, moderno, che è "l'ennui", la noia, con un occhio carico di lacrime involontarie, capace di ingoiare il mondo con la forza di un solo sbadiglio. (Questa parte della poesia sarà citata anche da Eliot in "the waste land" 1922 ) e la poesia finisce indirizzandosi al lettore: Tu lo conosci, lettore, questo mostro delicato -ipocrita lettore- mio simile- mio fratello! 

L'ipocrita lettore è chiamato a sostituire il "candido lettore", affezionato ai versi del primo ottocento romantico, pronto a fidarsi ciecamente del poeta, e della sua visione sublimata del mondo. Illustrare il male, affinché si desideri, per reazione il bene. Questo il senso della "terribile moralità" di cui Baudelaire parla a Vigny, in una lettera. Perché "libro"? A differenza dei vari Lamartine, Hugo, Vigny, Musset eccetera, Baudelaire realizza un'architettura, ovvero un insieme di poesie perfettamente autonome se lette singolarmente, ma capaci di instaurare una fitta rete di interconnessioni, se lette in sequenza, e anche per questo, I fiori del male è un libro moderno, scritto con uno stile tradizionale, fatto di alessandrini, di sonetti, e Rimbaud, che, se pure gli riconosce il genio, gli rimprovera l'uso della "forma meschina", perché chi parla una nuova lingua, deve farlo con codici nuovi. Vero anche che Baudelaire come Flaubert, sono forse gli ultimi autori dell'ottocento che mischiano uno stile più tradizionale, a contenuti che di fatto, gettano le basi per un'opera moderna. 

@@@

Ho voluto scrivere di getto, praticamente "a memoria" per una volta, cercando di seguire una linea di pensiero generica sull'autore. Ricordo però che esiste una mole impressionante di letture critiche dedicate a Charles Baudelaire, e lo stesso vale per il numero di traduzioni, fra le quali, vista l'occasione, dal 9 luglio 2015 potremo consultare anche quella di Romano Palatroni, un marchigiano che ha scelto un suo specifico codice linguistico per familiarizzare con la lingua madre del poeta, e trasformarlo in quanto di più simile alla sua idea di linguaggio poetico in italia, in quel periodo. Diciamo che il senso del blog consiste nell'ennesima "Invitation au voyage" e anche alla lettura di Baudelaire e suoi affezionati. 

The waste land Eliot.

Il dipinto "Là dove muoiono le utopie" 

è stato realizzato da Renzo verdone.

Nb: Ho rivisto il testo il 19/02/2018.

"La terra desolata" è un opera scritta nel 1921, ma viene pubblicata la prima volta nel 1922, fra le due guerre mondiali. E' un poema lungo e complesso che tratta l'aridità spirituale vissuta dall'uomo moderno privo di qualsiasi credo capace di dare significato e valore alla sua esistenza. A causa di ciò,

Il sesso non porta la vita, perché non feconda, la morte non porta la resurrezione, e questo pensiero somiglia da alcuni versi di Baudelaire che certamente Eliot tenne a mente, se consideriamo che è con un verso di "Au lecteur" (poesia-prologo dei Fleurs) che egli chiude la sezione uno, qui analizzata.

La poesia di Baudelaire alla quale mi viene da pensare è: "Il sogno di un curioso" dedicata a Nadar,  il fotografo a cui dobbiamo i primi ritratti su pellicola di svariati autori (Baudelaire stesso), che era anche ateo. 

Questa la poesia di Baudelaire:

Conosci anche tu come me il gusto del dolore?
E permetti che anche di te si dica "Che uomo singolare!"
-Stavo per morire. Nella mia anima innamorata
un desiderio mischiato all'orrore, un male particolare;

Angoscia e viva speranza, senza umori ribelli.
Più la fatale clessidra si svuotava,
Più la mia tortura si faceva aspra e deliziosa;
Il cuore si staccava del tutto dal mondo a me familiare.

Ero come il bambino avido di spettacolo
che odia le tende come si odia un ostacolo...
infine la fredda verità si rivelò:

Ero morto senza sorpresa, e la terribile aurora
mi avviluppava. - Ma come? Tutto qui?
Il sipario si era alzato ed io attendevo ancora.

Anche i versi conclusivi di "Il viaggio" (ultima nei Fleurs) fanno pensare alla resurrezione come ad una vana attesa nella speranza che accada qualcosa di nuovo.

" Cielo o Inferno, cosa importa?
  In fondo all'ignoto per trovare il nuovo!"


Tornando ed Eliot, egli trae ispirazione soprattutto da due opere, ovvero:
"From ritual to romance" 1920 un testo sulla leggenda del santo Graal di Jessie L.Weston.
"Golden bough" (ramo d’oro) 13 vol. 1890/1915 un testo di James Frazer.

Entrambi si focalizzano sulla persistenza degli antichi riti sul tema della fertilità nel pensiero moderno e nella religione. Di particolare interesse in entrambi gli autori: la storia di Fisher King ferito ai genitali, la cui impotenza sessuale è il motivo per cui il suo regno è divenuto una disseccata Waste land (Terra desolata). Secondo la leggenda, bisognava guarire il re affinché la terra tornasse fertile a sua volta. La differenza rispetto ad allora, è che ai tempi di Eliot non esiste alcun rituale, non esiste alcun modo per far guarire il re, forse non c’è alcun fisher king .

La scelta stilistica di una narrativa non unitaria, come invece accadeva nella religione o nella mitologia, serve ad enfatizzare la "rottura" fra la leggenda del passato e l'imperfetta meditazione dei tempi moderni. La prima sezione dell’opera è infatti divisa in 4 sotto sezioni (che qualcuno traduce come "vignette", ma la parola non mi convince), ognuna delle quali sembra provenire dalla prospettiva di un parlante diverso.

Ulteriore nota introduttiva:

L'epigrafe d'apertura è una citazione del "Satyricon" di Petronio che compare in greco, ma che riporto in italiano :
"Del resto la Sibilla a Cuma, l'ho vista anch'io con questi miei occhi dondolarsi rinchiusa dentro un'ampolla, e quando i fanciulli le chiedevano "Sibilla che vuoi?", quella rispondeva "Voglio morire"."

La sibilla Cumana è la più famosa fra le sibille: Profetiche donne anziane della mitologia greca .

Fu lei a guidare Enea attraverso il fiume ade nell'Eneide. Le fu garantita l’immortalità da Apollo ma, avendo dimenticato di chiedere l’eterna giovinezza, perì nel fisico, la cosa le divenne insopportabile soprattutto perché la sua autorità decadde. Per questa ragione desidera morire. E' stanca, e l'autore qui sottolinea le sue esili proporzioni fisiche per giustificare lo scherno dei giovani nei suoi confronti.

Dunque la vecchiaia non ha nulla del concetto si "saggezza" espressa per esempio da Chateaubriand a inizio XIX secolo in Francia, con figure quali quella di Cachtas (Atala, René), venerato e ritenuto saggio nonostante fosse cieco, e senz'altro vecchio. Va anche detto che per la donna i criteri di giudizio erano, sono e forse saranno sempre diversi.

T.S. Eliot

SIBILLA/ELIOT:

Anche l'autore vive lo stesso stato d’animo. Egli recepisce la cultura del suo tempo come decaduta, appassita, ma sa che non morirà (senso di perenne agonia), l'autore è quindi costretto a vivere con persone che gli ricordano la gloria originaria e perduta della sua cultura. Ecco dunque il tema portante del testo (che non si può forse definire "plot" ma linea guida ): La terra desolata di cui al punto sopra. (fisher king)

Dedica a EZDRA POUND : (1885/1972)
Per Ezra Pound, (1)
il miglior fabbro (2)

(1)L'autore ha un ruolo non trascurabile nella poesia moderna, e aiuta molto Eliot nella revisione finale, l' incoraggia a tagliare molte parti dell’opera e a rompere lo schema tradizionale delle rime.

N.b.: anche la moglie di Eliot : Vivien ebbe un ruolo importante per la realizzazione definitiva del lavoro.

Pound è un esponente dell’ imagismo, è dunque contro la poesia tardo-vittoriana e contro il romanticismo in generale. Il movimento sperimenta nuovi versi, concretezza d'espressioni ed economia delle parole. Pound se ne allontana dopo qualche anno e si avvicina al vorticismo (fra futurismo e dadaismo. Il il risultato lo esperimenta nei "Cantos")

1919-59: Cantos è il risultato ambizioso del desiderio di esprimere la storia dell’umanità. Opera di non facile lettura, perché presuppone la conoscenza della cultura greca, cinese, americana, africana, italiana, rinascimentale, moderna. La sua complessità è voluta dall'autore (Pensiamo al Finnegan's wake di Joyce, anzi a Joyce tout court) e rappresenta un invito a ricercare con fatica il significato, così come faticosa è la ricerca del senso dell’ esistenza!

(2) Scritto in italiano nel testo di Eliot, "Il miglior fabbro" è un riferimento alla Divina Commedia, Canto XXVI del Purgatorio: Guinizzelli parla con Dante in merito al trovatore provenzale Arnaut Daniel e dice "Questi ch'io ti cerno col dito" -e additò uno spirito- "fu miglior fabbro del parlar materno"

Infine, il titolo della sezione uno: The burial of the dead* (Il seppellimento dei morti) è leggibile secondo diversi livelli di significato.

Innanzi tutto c'è un riferimento esplicito al servizio funebre secondo il rito anglicano, che si chiama "The order of the burial of the dead", dunque la sepoltura dell'effige del Dio che era pieno di rinascita nei riti della vegetazione. Ma allude anche alla sepoltura dei morti del mondo contemporaneo, intesa come sepoltura metaforica degli "uomini vuoti" che non vogliono risvegliarsi al dramma della vita.

THE WASTE LAND

1922

" Del resto la Sibilla, a Cuma, l'ho vista anch'io con questi miei occhi dondolarsi rinchiusa dentro un'ampolla, e quando i fanciulli le chiedevano "Sibilla che vuoi?", quella rispondeva "Voglio morire"

Per Ezra Pound,
il miglior fabbro.
1
The burial of the dead
1_dal vs 1 a 18
April is the cruelest month, breeding (vs1)
Lilacs out of the dead land, mixing
Memory and desire, stirring
Dull roots with spring rain.
Winter kept us warm, covering (vs 5)
Earth in forgetful snow, feeding
A little life with dried tubers.
Summer surprised us, coming over the Starnbergersee
With a shower of rain; we stopped in the colonnade
And went on in sunlight, into the Hofgarten (vs 10)
And drank coffee, and talked for an hour.
Bin gar keine Russin, stamm' aus Litauen, echt deutsch. (in tedesco nel testo)
And when we were children, staying at the arch-duke's.
My cousin's, he took me out on a sled,
And I was frightened. He said, Marie, ( vs 15)
Marie, hold on tight. And down we went.
In the mountains, there you feel free.
I read, much of the night, and go south in winter.(vs 18)

Traduzione:
Aprile è il più crudele dei mesi, generando
Lillà dalla terra morta, mescolando
Memoria e desiderio, risvegliando
Sopite radici con le piogge di primavera.
L’inverno ci tenne caldi, coprendo
La terra con obliosa neve, nutrendo
Una piccola vita con tuberi essiccati
L’estate ci sorprese, raggiungendo il Stranbergersee (lago vicino Monaco)
con uno scroscio di pioggia; ci fermammo sotto il colonnato
e ci dirigemmo verso la zona assolata, nel Hofgarten
(piccolo parco pubblico a Monaco)
e bevemmo caffè e parlammo per un’ora.
(non sono RUSSA, vengo dalla Lituania, sono una vera tedesca!)
E quando eravamo piccoli, stavamo presso l'arciduca.
Mio cugino, lui mi portò fuori con lo slittino,
e io ero spaventata. Egli disse, Maria
Maria, tieniti forte. E ci lanciammo.
Sui monti ci si sente liberi.
Leggo, per gran parte della notte, e vado a sud in inverno.

ANALISI:

Ci è qui riportato il ritaglio autobiografico dell’infanzia di una donna aristocratica. Si tratta in verità di una mescolanza di meditazioni sulle stagioni e meditazioni sul senso di sconfitta della sua esistenza attuale (presente) [leggo molto la notte e …]

Chi È Marie? Una contessa cugina del "Re folle" Ludovico II di Baviera maniaco, omosessuale, che nel 1886 annegò per ragioni misteriose nel lago citato nel testo .

Egli amava "Tristano e isotta" di Wagner (molto presente in "The waste Land") e fu lui a fondare il teatro Wagneriano di di Bayreuth.

Questo elemento della narrazione introduce il tema della "morte per acqua" e si collega alle citazioni su "Tristano e Isotta" che seguiranno (vs 31-34 e 42), ma allude anche alla figura del re menomato che ricorda il re pescatore della leggenda del Graal (Alla quale s'ispirò Wagner per opere come il "Parsifal")

Pare che Eliot non lesse il libro di Marie sul cugino, ma parlò con lei di persona.

L'autore ci tiene a sottolineare che Marie è una vera tedesca, membro della famiglia imperiale recentemente sconfitta

Aprile: Contrariamente alla tradizione, che vede in questo mese un periodo di rigenerazione della terra dopo il freddo dell'inverno in vista di nuovi frutti, dunque nuova vita, nell'opera di Eliot, aprile non è il mese felice dei pellegrinaggi religiosi e delle narrazioni di storie, come era stato per Chaucer nei "viaggi di Canterbury" 1387, al quale egli fa riferimento pur invertendone il senso "emotivo".

Egli ha interesse a sottolineare piuttosto il fatto che la rigenerazione sia dolorosa perché riporta alla memoria un passato più fertile e più felice.

Le rime di: "Breeding-stirring" (generando-eccitando) e "covering-Feeding" (coprendo-nutrendo), sottolineano il doloroso risvegliarsi degli "uomini vuoti" .

Nel mondo moderno: L’inverno è preferibile alla bella stagione, anche se crea una sorta di stordimento. In questo senso, penso ancora a Baudelaire. Tante le poesie citabili. Ho in mente soprattutto "Paysage", che apre la sezione II dei Fiori del male, "Les tableaux parisiens" in cui l'inverno è l'occasione che favorisce la creazione poetica: "Vedrò la primavera, l'estate, l'autunno /e quando verrà l'inverno con le sue nevi monotone/dappertutto chiuderò porte ed imposte/per costruire palazzi di fiaba nella notte"vs 13-16). Più cupa la visione nelle quattro Spleen della sezionje uno, e in generale è l'autunno la stagione preferita dall'autore. In verità, in poesie come "Chant d'automne" domina un senso di spleen, di noia, perché nemmeno la donna amata sembra poterlo sollevare "Ieri era estate e oggi è già autunno"vs 15, solo il mare e il sole potrebbero farlo, nonostante ciò, chiede alla sua amata Marie Daubrun di amarlo "Amante o sorella, siate l'effimera dolcezza di un glorioso autunno o di un sole al tramonto" vs 23-24. Dunque il sopraggiungere della sera, che mette fine all' "eterno pomeriggio" e cancella la vita.)

Per Marie il passato era fatto di gite col cugino, il presente si è caricato, dopo la guerra, di cambiamenti sinistri (il cugino è morto affogato!)

Il ruolo della memoria, specialmente quando include il ricordo di un morto, ha una valenza critica in the Waste Land. Essa crea un confronto fra passato e presente (giustapposizione) che evidenzia quanto male le cose siano andate [in Emotions recollected in tranquillity di Wordsworth invece, il ricordo di esperienze passate aveva una connotazione ben più ottimistica! Il ricordo dei giorni a Tintern Abbey avevano aiutato l'autore a vivere meglio nel grigiume della città]

Maria legge tutta la notte: messa al bando dai politici, non c’è molto altro che possa fare. Legge per ricordare un passato migliore e questo può creare una coerente cultura letteraria.

2_ Dal vs 19 Al vs 30
What are the roots that clutch, what branches grow
Out of this stony rubbish? Son of man, (vs 20)
You cannot say, or guess, for you know only
A heap of broken images, where the sun beats
And the dead tree gives no shelter, the cricket no relief
And the dry stone no sound of water. Only
There is shadow under this red rock (vs 25)
(Come in under the shadow of this red rock),
And I will show you something different from either
Your shadow at morning striding behind you
Or your shadow at evening rising to meet you;
I will show you fear in a handful of dust. (vs 30)
Frisch weht der Wind*
Der heimat zu
Mein Irisch kind,
Wo weilest du?
*da Tristano e Isotta …un marinaio ricorda una ragazza che si è lasciato alle spalle :
"You gave me hyacinths first a year ago; (vs 35)
They called me the hyacinth girl."
-Yet when we came back, late, from the Hyacinth garden,
Your arms full, and your hair wet, I could not
Speak, and my eyes failed, I was neither
Living nor dead, and I knew nothing, (vs 40)
Looking into the heart of light, the silence
Oed' und leer das Meer. (in tedesco) (vs 42)

Traduzione:
Cosa sono le radici che s'avvinghiano; quali rami crescono
da queste macerie di pietra? Figlio dell'uomo
tu non puoi dirlo, o immaginarlo, perché tu conosci solo
un mucchio di immagini infrante, dove il sole batte
e l'albero morto non da riparo,né il grillo arreca sollievo
e la pietra bagnata non produce suono d’acqua . Solo
c’è ombra sotto questa roccia rossa.
(vieni all' ombra di questa roccia rossa)
e io ti mostrerò qualcosa di diverso sia
dalla tua ombra nel mattino che cammina dietro di te
che dalla tua ombra della sera che cresce per incontrarti;
Ti mostrerò il timore in una manciata di polvere
Il vento spira fresco*
verso la patria
Mia bimba irlandese
dove t'attardi?
*IN TEDESCO: da Tristano e Isotta …un marinaio ricorda una ragazza che si è lasciato alle spalle :
"Mi hai dato i giacinti la prima volta, un anno fa
Mi chiamavano la ragazza dei giacinti ".
-Ciononostante quando tornammo, tardi, dal girdino dei giacinti,
Le tue braccia piene, i tuoi capelli bagnati, io non potei
parlare, e gli occhi mimancarono, non ero
né vivo né morto, e non sapevo nulla,
guardando nel cuore della luce, il silenzio.
desolato e vuoto è il mare Tedesco: *
*Ancora un riferimento a Tristano e Isotta : Tristano giace morente e aspetta che Isotta lo raggiunga dalla Cornovaglia, ma un pastore guardando l’orizzonte gli dice che il mare è vasto e vuoto, ovvero che il suo amore non c’è!

ANALISI:

Il tono è minaccioso oltre che profetico, ma c’è un ritorno all’infanzia attraverso l'espressione: "Ragazza dei giacinti". Osserviamo anche un' epifania nichilistica del parlante dopo che ha avuto un incontro con lei. Ricordi filtrati attraverso la legenda di Tristano e Isotta e il racconto Arturiano dell’ adulterio e della perdita. Il parlante descrive una vera terra desolante d'inespressiva immondizia: "stony rubbish"…qui l’uomo ["son of man"dalla bibbia: Dio parla a Ezechiele] può riconoscerci solo un mucchio di immagini rotte su cui batte il sole …tutto si riduce a una manciata di polvere, un nulla tanto profondo che deve far paura! Ma anche la verità risiede in quel luogo: non più un fenomeno religioso raggiungibile attraverso cristo. La verità è presentata a partire da un mero senso di vuoto.

Di nuovo il contrasto presente/passato: Il passato è la ragazza (coinvolgimento romantico); Il presente è il deserto! Ma tanto nel passato quanto nel presente manca coerenza. Nel passato il "nulla" è più chiaramente un fallimento sessuale, un momento di impotenza.

Dunque, a dispetto della complessiva fecondità e gioia del momento, non è possibile alcuna riconciliazione né alcuna azione, e ciò riconduce al presente e al suo territorio deserto.

Circa il vs 42 in Tedesco: Desunto da Tristano e Isotta [III, 24]: Tristano morente aspetta l'arrivo di Isotta ma non si scorge nessuno all'orizzonte e un pastore dice:"Desolato e vuoto è il mare".

Per Eliot il mare non è un luogo simbolo della paura del nulla, né è il luogo per la filosofica interpretazione del nulla, in realtà è il luogo per la collocazione del vero: essenzialmente inesistente egli stesso! Il mare che si stende davanti agli occhi di Tristano è realmente vuoto e vuoto e privo di ogni possibilità di rivelazione.

3_dal vs 43 a 59
Madame Sosostris, famous clairvoyante, (vs 43)
Has a bad cold, nevertheless
Is known to be the wisest woman in Europe, (vs 45)
With a wicked pack of cards. Here, said she,
Is your card, the drowned Phoenician Sailor.
(Those are pearls that were his eyes. Look!)
Here is Belladonna, the Lady of the Rocks,
The lady of situations. (vs 50)
Here is the man with three staves, and here the Wheel,
And here is the one-eyed merchant, and this card,
Which is blank, is something that he carries on his back,
Which I am forbidden to see. I do not find
The Hanged Man. Fear death by water. (vs 55)
I see crowds of people, walking round in a ring.
Thank you. If you see dear Mrs. Equitone,
Tell her I bring the horoscope myself;
One must be so careful these days. (vs 59)

Traduzione:
La Signora Sosostris, famosa chiaroveggente
Aveva un brutto raffreddore, ciò nonostante
è conosciuta per essere la più saggia della donne in Europa
con un diabolico mazzo di carte. Ecco, disse
la tua carta , il Marinaio fenicio annegato,
(queste sono perle un tempo furono i suoi occhi.Guarda!)
qui è belladonna* (in italiano) la Signora delle Rocce
la signora delle situazioni.
Ecco il mercante orbo da un occhio, e questa carta,
che è bianca , è qualcosa che egli porta in spalla
che a me è vietato vedere.Non trovo
l’impiccato. Temi la morte per acqua.
vedo folle di persone che camminano in cerchio.
Grazie. Se vedi la cara signora Equitone,
dille che le porterò l’oroscopo io stessa:
bisogna essere così prudenti di questi tempi.

ANALISI:

Qui si nota la fascinazione di Eliot per le trasformazioni. Egli trasforma dei simboli vaghi come i disegni sulle carte, in qualcosa che poi, nel corso della narrazione si avvererà.

Chi è la signora Sostris? La moderna Vanna Marchi, una cartomante imbrogliona che degrada il rito divinatorio a superstizione materialistica.

Circa i Tarocchi, che sono la base della cartomanzia, dice Eliot: " Non conosco l'esatta composizione del mazzo dei Tarocchi, da cui mi sono ovviamente allontanato per servirmene a mio scopo. L'impiccato, che appartiene al mazzo tradizionale, si adatta al mio scopo in due modi: perché lo associo nella mia mente al Dio impiccato di Frazer e perché lo associo alla figura incappucciata nel passo dei discepoli che vanno ad Emmaus nella parte V.II. Il marinaio fenicio e il mercante appaiono più avanti. Anche le "folle di gente" e "morte per acqua" si compie nella parte IV. L'uomo dalle tre aste -che appartiene effettivamente al mazzo dei tarocchi- lo associo del tutto arbitrariamente allo stesso Re Fischer"

Vs 47: Il marinaio affogato è un riferimento al massimo lavoro di magia e trasformazione della letteratura inglese: The tempest. Shakespeare. Il pezzo del poema è letteralmente ripreso da Shakespeare:

"Queste sono perle che un tempo erano i suoi occhi..."dalla canzone di Ariel.MA:

-In The tempest: La trasformazione è la più alta forma di arte umana. 

-Qui: è associata a frode, volgarità e spiccio misticismo.

Nel vs 49: "Belladonna" in italiano, suggerisce anche il termine madonna, e nello specifico "La vergine delle rocce" (1483-1486) di Leonardo Da vinci, di cui esistono due versioni (una conservata a Londra alla National Gallery, l'altra al Louvre a Parigi) e come in quel dipinto, la roccia è simbolo della chiesa.

In una recensione di Boccino su Leonardo da Vinci si legge:

"Forse anche le formazioni rocciose si possono interpretare secondo simboli mariani, in quanto si riferirebbero a modelli simili di testi di preghiere. La Madre di Dio sarebbe rappresentata dalla roccia che non può essere spaccata dalla mano dell'uomo, e le rocce inospitali, erose dalle forze naturali, sarebbero una metafora di Maria, un'allusione alla sua inattesa fecondità. Inoltre, la spaccatura nella roccia è considerata come il rifugio del piccolo Giovanni Battista e del Bambino Gesù"

( il link : http://www.ciao.it/La_Vergine_delle_Rocce_Leonardo_da_Vinci__987297 )

Prima versione del dipinto di Leonardo.

Nel vs 50, è definita la signora delle situazioni, dunque la Madonna di prima simboleggia ora la donna degli intrighi, non più la vergine. Alessandro Serpieri invece considera "Belladonna", signora delle rocce e delle situazioni, come l'epitome simbolica dei personaggi femminili del poemetto.

vs 51: il mercante orbo da un'occhio: Di profilo suggestione di male e tortuosità

vs 53: c'è una carta che l'indovina imbrogliona non può vedere, e questo è ironico perché più avanti

sarà quest carta a rivelare i suoi misteri (Parte III vs 209-214)

vs 54: L'impiccato, appeso per una gamba in una croce a T: Nei riti della vegetazione è simbolo dell' autosacrificio del Dio della fertilità che è ucciso affinché la sua risurrezione porti di nuovo fertilità nella terra e alle persone, ed è significativo che la cartomante non riesca a trovare questa carta. La sua mancanza anticipa il monito: "Temi la morte attraverso l'acqua!"

4_dal vs 60 a 76
Unreal City
Under the brown fog of a winter dawn,
A crowd flowed over London Bridge, so many,
I had not thought death had undone so many.
Sighs, short and infrequent, were exhaled,
And each man fixed his eyes before his feet, (vs 65)
Flowed up the hill and down King William Street
To where Saint Mary Woolnoth kept the hours
With a dead sound on the final stroke of nine.
There I saw one I knew, and stopped him, crying, "Stetson!
You who were with me in the ships at Mylae! (vs 70)
That corpse you planted last year in your garden,
Has it begun to sprout? Will it bloom this year?
Or has the sudden frost disturbed its bed?
Oh keep the Dog far hence, that's friend to men,
Or with his nails he'll dig it up again! (vs 75)
You! hypocrite lecteur!-mon semblable!-mon frère!

Traduzione:
Città irreale,
sotto la nebbia bruna di un’alba invernale,
una folla di persone si accalca sul London Bridge, cosi tanti
che non avevo considerato che la morte tanti ne avesse disfatti
sospiri, brevi e radi, erano esalati,
e ogni uomo fissava gli occhi davanti ai suoi piedi.
Fluivano sulla collina e giù per king William Street (vicino al London Bridge)
fin dove Santa Maria Woolnoth segnava le ore
con un suono morto all'ultimo tocco delle nove
Lì vidi uno che conoscevo e lo fermai, urlando:"Stetson!"
Tu, che eri con me sulle navi di Milazzo!
Quel cadavere che piantasti l’anno scorso nel tuo giardino,
ha iniziato a germogliare? Fiorirà quest’anno?
oppure l’improvviso gelo ha turbato il suo letto?
Oh tieni il cane lontano quindi, che è amico degli uomini
O con le sue unghie lo dissotterrerà di nuovo!
Tu! Lettore ipocrita" - Mio simile - Mio fratello!

Analisi:
finalmente Eliot espone la vera waste land del poema: la città moderna
Eliot vede Londra con gli occhi di Dickens nel XIX secolo: la nebbia bruna di un’alba d’inverno.
Flaubert vede Parigi come una città irreale.
Joyce vede Dublino come il centro della "paralisi" umana.
Per Dante l'inferno è pieno di code fluenti di morti.

La città che ci racconta Eliot è desolata, abitata solo da fantasmi del passato.

"Unreal city" ricorda anche alcuni versi di Baudelaire nella poesia "I sette vecchi" (Sez 2) che dice "Formuillante cité, cité pleines de rèves/où de spectre en plein jour raccroche le passant" .. è come se ci fosse in quest'ultima parte della prima sezione una combinazione fra senso angoscioso della città baudelairiana e senso fantasmatico del limbo dantesco.

Il vs 62 invece è Dantesco: Inferno III 55-57: 
"...Si lunga la tratta/ di gente, ch'io non avrei creduto/che morte tanta n'avesse disfatta"
Idem per il vs 63: Inferno IV 25-27: 
"Quivi, secondo che per ascoltare, /non aveva pianto mai che dei sospiri/ che l'aura eterna facevan tremare"
vs 69: la nona ora: quella in cui inizia il lavoro per gli impiegati della city ma anche un numero dalla rilevanza simbolica in merito alla morte di Cristo.

Stetson: su questo nome ho trovato due interpretazioni dissonanti.

Una dice che "Stetson" è il nome di un cappello militare, dunque potrebbe rappresentare un uomo che torna dalla guerra, ma potrebbe alludere anche E. Pound, che usava portare quel tipo di cappello.

L'altra dice che l’uomo riconosciuto dal parlante è un compagno caduto in guerra e il parlante gli fa domande terrificanti su un uomo seppellito nel suo giardino: e attraverso il giardino torniamo al tema della Rigenerazione e della fertilità.

Questo racconto può essere letto come una richiesta di un significato per le morti dei giovani nel primo conflitto mondiale. Forse la risposta è implicita: l’uomo, morto è incapace di rispondere alle numerose domande retoriche del parlante. Dunque la morte non capace di fornire risposte ed è sbagliata.

Le navi di Milazzo fanno riferimento alla prima guerra punica 260 A.C. fra romani e cartaginesi, una guerra nata per motivi economici proprio come la prima guerra mondiale...dunque inutile! (vs.70) Non possiamo dimenticare che Flaubert trattò proprio questo periodo storico nel suo celebre "Salammbò" 1862, un romanzo avente a tema la storia, ma in alcun modo definibile "storico" alla maniera di Scott, celebrità indiscussa e modello di riferimento per i francesi del primo ottocento. (è un pullulare di "voglio essere uno Scott o niente"). Il romanzo dell'eremita di Corisset (così definito perché era a Croisset che viveva la sua monacale devozione alla scrittura) ha scritto un romanzo sulla ciclicità della storia, perché nello specifico, il testo si conclude con la vittoria di Amilcare sui mercenari, ma i libri di storia ci dicono che di li a poco Cartagine sarà rasa al suolo dai Romani, dunque un'effimera vittoria, un ciclo di vinti e vincitori destinato a perpetrarsi nei secoli in cambio di sangue, in modo violento anche, e Flaubert in questo senso non si risparmia. Fu criticato per l'eccesso del "colore" di alcune scene, fra cannibalismo, atrocità davvero eccessive, tutto per insistere sulla istintiva violenza che abita l'uomo, eppure, a conti fatti, mi viene da pensare a questo romanzo come a un'opera...romantica! Succedono fatti bellici, si tentano trattative ed imbrogli, ma tutto ruota attorno a due figure: Salammbò, figura lunare, e Matho, simbolo del sole, che alla fine muoiono l'uno al cospetto dell'altro, coscienti dell'impossibilità di poter vivere senza appartenersi, e questo, da un autore definito "realista" e dopo "Mme Bovary" aveva tutta una sua valenza simbolica. (per Leconte De Lisle, si tratta di un romanzo parnassiano per eccellenza)

Charles Baudelaire (Foto di Nadar)

 L'ultima frase della prima sezione è ripresa interamente dalla chiusura di "Au lecteur", poesia-prologo di "I fiori del male" di Baudelaire. L'ennui, la noia è il male dell'uomo moderno, il peggiore perché capace con un solo sbadiglio d'ingoiare l'umanità. Esso è il peccato degli "uomini vuoti" suoi contemporanei (di Eliot, ma già di Baudelaire) che non vorrebbero risvegliarsi al richiamo della primavera, della vita, e al dramma della scelta. Il lettore e l'autore partecipano alla medesima desolazione: La letteratura compiuta e non, romanticamente, redime. Dunque, la parte uno si conclude così com'era iniziata.

In questo link tratto nello specifico la poesia: Au lecteur, di Baudelaire.

AU LECTEUR- Al lettore.

Poesia-Prologo che ci introduce ai fiori. 

Questo Lavoro grafico di Giger  mi è parso pertinente col pensiero che 

Baudelaire esprime nel verso:  

 "Chaque jour vers l'Enfer nous descendons d'un pas",

AU LECTEUR può essere definita come la porta d’ingresso a “Les Fleurs du mal”, che non chiameremo raccolta, rispettando così la volontà del suo autore, il quale, nel 1861, in prossimità della seconda uscita dell’opera, scrisse a Vigny (membro dell’accademia Francese, autore di romanzi, poesie e teatro) chiedendo che  la sua opera non fosse considerata una mera raccolta poetica ma un libro
Hugo Friedrich nel testo critico: “La struttura lirica moderna” sottolinea i motivi di questa scelta Baudelairiana: “Il fatto che Baudelaire abbia dato a Les Fleurs du Mal una costruzione architettonica, dimostra il suo distacco dal Romanticismo, i cui libri lirici sono semplici raccolte e anche formalmente ripetono nella disposizione non premeditata la casualità dell’ispirazione” (pag 39)
Ovviamente la parola “struttura” non deve farci pensare a un qualcosa di “rigido”. Le diciotto poesie pubblicate sulla Revue des deux mondes nel 1855 col titolo “Les Fleurs du Mal”, diventano centodue  nel 1857, sei delle quali saranno censurate dall'istruttore Pinard durante il processo e nella versione del 1861 si arriverà ad un totale di centoventisei poesie che l’autore cerca di incastrare nel libro, seguendo un suo filo logico e creando una serie di interconnessioni stilistico-tematiche, che però non impediscono autonomia ai singoli componimenti, ognuno dei quali ha infatti un senso compiuto e si basta da solo.
Per esempio: Crépuscule du matin e Crépuscule du soir (Sezione II) presentano evidentemente delle analogie a partire dai titoli, ma sono autonome rispetto al tutto, e vengono separate per la II edizione, nel 1861. Il crepuscolo del mattino conclude la sezione II, come a voler sottolineare la presenza di una struttura nel libro; così facendo il poeta enfatizza anche il senso di circolarità del tempo. I casi da elencare sarebbero svariati. (per esempio, poesie con lo stesso identico nome: XXXIV le chat, LI le chat, LXVI les chats, o le 4 poesie dal titolo spleen (da LXXV a LXXVIII ma gli esempi vanno anche oltre, cioè al di là del titolo delle poesie, tipo le “Sette poesie per sette donne diverse” nella sez 1,  o le tre poesie dedicate a Hugo nella sezione II e così via...)

Metro:La poesia au lecteur è composta da dieci quartine in Alessandrini a rime embrassées: ABBA... (lésine/vermine - Corps/remords nella prima strofa)
L’alessandrino  non rappresenta certo un’innovazione in senso stilistico, eppure per i suoi contemporanei, egli compone una poesia "strana" e troppo "originale" nei contenuti.
Sainte Beuve che è suo amico (anche se non lo aiuterà affatto né durante, né dopo il processo, pur avendone forse il potere e l'autorità) parlerà della "folie Baudelaire" (espressione di cui Roberto Capasso si è appropriato per farne il titolo di un libro bello e corposo sull'autore) e, cercando di "giustificare" la sua originalità, Sainte Beuve dirà:
"Tutto era stato preso nel campo della poesia, Lamartine si era preso il cielo, Hugo aveva preso la terra e più della terra, Laprade aveva preso le foreste, Musset aveva preso la passione e l'orgia splendente. Altri avevano preso il focolare e la vita rustica... Gautier aveva preso la Spagna e i suoi forti colori. Che restava dunque? Quello che Baudelaire ha preso. Vi è stato quasi costretto".
Un simile commento ci rimanda l'impressione di un autore costretto alla "stravaganza" perché ha avuto la sfortuna di vivere in un tempo traboccante di geni.
Dieci anni dopo la pubblicazione della seconda edizione dei Fleurs, Rimbaud ribalterà i termini dell'osservazione, rimproverando Baudelaire di essersi accontentato: In una lettera indirizzata a Paul Demeny (15 maggio 1871): l'autore di "Une saison en enfer" scriverà:
"Baudelaire è il primo veggente, il Re dei poeti, un vero Dio. Tuttavia egli è vissuto in un ambiente troppo artista; e la forma tanto vantata in lui è meschina: Le invenzioni d'ignoto richiedono forme nuove".

Anche Gautier fece considerazioni di questo tipo. Certo nello sconfinato processo alle intenzioni del creatore dei fiori malaticci, non possiamo non tenere a mente il pensiero di Baudelaire stesso, ovvero: “ E’ del tutto evidente che le leggi metriche non sono tirannie inventate arbitrariamente. Sono regole che vengono pretese dall'organismo dello spirito stesso. Esse non hanno mai impedito all'originalità di realizzarsi. Il contrario è infinitamente più giusto: che esse hanno sempre aiutato l’originalità a maturare” (p 40 “La struttura della lirica moderna” Hugo Friedrich )

Visto dal nostro periodo storico, Baudelaire appare come una foto sfuocata, mai perfettamente inquadrata nel suo elemento. Pierre Brunel ci invita a riflettere sul fatto che l'autore è stato sistematicamente attaccato in vita, per poi diventare l'idolo dei decadenti, il maestro dei simbolisti, (Breton parla di lui come del primo surrealista per la sua morale) e la lista è ancora lunga. Di fatto, autori molto diversi fra loro vedono in Baudelaire un "iniziatore" ed alla luce di ciò è saggio secondo Brunel, restituirgli il suo posto, che è quello di chi vive al confine fra due epoche: L'ancien régime poetico e l'epoca moderna, ovvero (sempre secondo Brunel) fra spleen e idéal.

Perché poesia-prologo? Perché al libro manca una prefazione tradizionale.
Flaubert, suo contemporaneo, non avrebbe mai scritto una prefazione. Era infatti sua convinzione che tutto quel che l’opera ha da dire è incluso nell'opera stessa e desiderava che l' autore sparisse dietro la creazione artistica.
Baudelaire visti gli esiti disastrosi del processo ai Fiori del male, si pente di non aver scritto una prefazione che forse lo avrebbe salvato da un simile linciaggio, così, in vista della seconda edizione del 1861, compone svariati progetti di prefazione in cui sembra prevalere un forte senso di stizza da parte di un autore che si sa grande (tanto da “osare” candidarsi all'Accademia Francese, provocando ilarità generale fra gli intellettuali del tempo, e divertimento in Flaubert che nel suo “dizionario delle idee correnti” scriveva: “Académie Française: parlarne male, ma cercare di farne parte, se si può”. Eppure, l'autore di "Mme Bovary" confessa in una lettera ad un amico che troverebbe straordinariamente interessante vedere Baudelaire in mezzo a tutti quegli autori altisonanti e marmorei.) E se Flaubert arriva ad incolpare l'idiozia imperante del secondo impero per la morte dell'amico Gautier, Baudelaire si sente personalmente offeso da una città paralizzata dall'idiozia borghese. Le sue parole suonano amare, risentite verso i suoi contemporanei, che offende pesantemente.
L’autore scrive in questi abbozzi di prefazione, di rivolgersi ad una nazione che vive una fase di grande volgarità. “Parigi centro e irradiamento della stupidità universale” e questa stupidità l’associa al progresso, dunque indirettamente, ai borghesi, espressione di una forza sociale ed economica nuova, che non considera il “valore” in senso etico-morale, ma in senso meramente utilitaristico-monetario.
In uno dei primi “Salon” scrive, parlando ai Borghesi: “Voi siete la maggioranza ma occorre che impariate a sentire la bellezza”. Si rivolge a individui come Homais, l’odioso e ottusamente soddisfatto farmacista che Flaubert ci racconta di “Mme Bovary”, per esempio ma anche Jacques Arnoux, proprietario dell’ “Art industriel” nel romanzo: “L’educazione sentimentale”,  sempre di Flaubert, e di figure simili di cui la Francia di Napoleone III è piena.

A prescindere da questa lunga riflessione su ciò che l’autore pensò dopo il processo, rimane il fatto che “Au lecteur” è stata la prima poesia del libro sin dal 1855 e come tale possiamo considerarla una specie di prologo, almeno quanto “Le voyage”, secondo il parere di Massimo Colesanti, può considerarsi un epilogo, che riassume molti dei temi base di tutta l’opera baudelairiana.


Seguirò le note di Mario Richter e Massimo Colesanti per l’analisi della poesia.
AU LECTEUR, come abbiamo visto, è il titolo della poesia, ed è anche una dedica.

Colesanti sostiene che il lettore al quale s'indirizza Baudelaire, non è il "candido" lettore romantico disposto a lasciarsi sedurre acriticamente dalle verità preconfezionate che gli racconta l’arte. Il suo lettore lo definisce "ipocrita", ma anche suo simile. Lo vuole dunque cosciente, suo simile/fratello. A questo lettore egli chiede di diventare suo alleato, sua controparte. Gli chiede di leggere "I fiori del male" con senso critico e non distrattamente.
"La coscience est dans le mal" dirà in una poesia (L'irrémediable -57- sez 1 FDM), e ovunque essa si trovi (la coscienza) è fondamentale che ci sia.

Per Richter Baudelaire si rivolge innanzi tutto al lettore del suo tempo, borghese e quindi imprigionato nei suoi miti, economici soprattutto; un lettore colto abbastanza da saper leggere, e da possedere una buona educazione, cosa non troppo diffusa allora (W. Benjamin sottolinea che essendo il libro pubblicato con Poulet-Malassis, editore di basso livello, Baudelaire cercava di persuadere un tipo di lettore pigro, e che magari si aspetta tutt'altro registro letterario).

Quanto al lettore di domani, per lui  non era che una speranza (diverso il caso di Stendhal, che dedica “La certosa di Parma”: “To the happy few”, proprio perché consapevole che i contemporanei non sapranno capirlo e così facendo, sottolinea il suo senso di estraniamento dalla cultura francese (la sua idea di felicità risiede in Italia) e dal suo tempo, usando una lingua straniera, e la cosa ha un forte valore simbolico.
Anche Baudelaire usa spesso termini inglesi a partire da:“Spleen”, che incarna uno stato d'animo, o anche semplicemente la noia “romantica” ripresentata con nuovi modi, o in titoli come: “Anywhere out of the world”.
Allora i poeti non usavano riferimenti inglesi. Quanto al romanzo, mi viene in mente una frase di “Le père Goriot” in cui, a inizio storia, Balzac sottolinea che “All is true”, ed è riferito a Shakespeare, comunque si tratta di casi rari, tanto più che i Francesi rimangono ancora oggi, fra i maggiori conservatori, ansiosi come sono di salvaguardare della propria lingua a tutti i costi! Ancora oggi tendono a bandire termini inglesi che per il resto del mondo sono diventati correnti.
Richter osserva che oggi non censureremmo queste poesie per immoralità, che la religione praticamente non ha più presa nella vita di tutti i giorni, e ovviamente ricorda che la società non possiede più le caratteristiche di allora. Conviene dunque recuperare, per quanto è possibile una realtà in parte perduta. ( definizione questa, che in fondo non appare troppo dissimile da quella di Brunel, che ho citato in precedenza).

Seguirà un'analisi per quartine: Prima in francese, poi tradotte, ed infine qualche osservazione.

1
La sottise, l’erreur, le péché, la lésine
Occupent nos esprits et travaillent nos corps,
Et nous alimentons nos aimables remords, 
Comme les mendiants nourrissent leur vermine.

la stoltezza, l’errore il peccato, l’avarizia
occupano i nostri spiriti, sfibrano i nostri corpi,
e noi alimentiamo i nostri amabili rimorsi
come i mendicanti nutrono i loro pidocchi.

Stoltezza, errore, peccato e avarizia. La poesia inizia con quattro soggetti negativi che “occupano” i nostri spiriti (del poeta e del lettore) e affaticano il nostro corpo. Spirito e corpo sono i due estremi di un dualismo che inizia ad affermarsi
Il peccato è un termine eminentemente cristiano, ed il male, il cui peso è concretamente presente nei primi versi come fosse un soggetto a più teste, domina tutte le facoltà umane.
Colesanti afferma che, per i termini che usa ed i concetti che esprime, tutta la poesia va letta in ottica cristiana. Certo, altri sostengono che sia bizzarro  un libro dedicato alla religione cattolica in cui manca del tutto la figura di Gesù Cristo, e così si arriva ad ipotizzare che il Dio dei cristiani sia funzionale a Baudelaire in senso anti borghese, quindi verrebbe usato nei fiori come simbolo da opporre al dio dell'Utile (poesia V), amato dai borghesi. (idem per il culto dandy dell' in-utile)

La lésine, cioè l’avarizia è un male moderno, che l’autore considera fra i più gravi perché era uno dei principi più rispettati dai borghesi (Vedi “Eugénie Grandet” di Balzac o “L’assommoir” di Zola, cioè dei mondi dominati interamente dal meccanismo economico che, nel secondo caso soprattutto, rafforza i ricchi e stritola i poveri). Nella poesia senza tivolo "V" ci introdurrà al moderno "dieu de l'Utile", implacabile e sereno, che cresce i suoi figli con pannolini di bronzo i quali, ovviamente, deformano l'anatomia, creando distanze incolmabili coi corpi perfetti delle lontane "epoche nude", cioè pagane, in cui, come testimoniano le statue che ci rimangono, i corpi erano perfetti.
Il pronome “nous” o “nos” è ripetuto ben 4 volte, ed indica la volontà di creare una comunione fra lettore e poeta.
I pentimenti li definisce “amabili”, così denuncia ironicamente un malcostume cristiano attraverso una comparazione fra “noi” e i “mendicanti”. Così come questi nutrono i loro parassiti (pidocchi, e altro) col loro sangue, allo stesso modo noi “alimentiamo” i nostri amabili rimorsi (ciò evoca la figura del vampiro, che troveremo spesso nelle poesie a venire) così che i nostri vizi possano sopravvivere  succhiando il nostro sangue, vivendo dunque a nostre spese.
Infine, i "vermines" che chiudono la quartina, evocano gli elminti della sesta strofa. Sono vermi, parassiti...anche loro e vivono nell'intestino, ma Baudelaire li situa nel cervello, come metafora di un popolo di demoni, anche quelli li nutriamo "noi".

2
Nos péchés sont têtus, nos repentirs sont lâches (fiacchi) ;
Nous nous faisons payer grassement nos aveux (colpe),
Et nous rentrons gaiement dans le chemin bourbeux (cammino fangoso) ,
Croyant par de vils pleurs laver toutes nos taches.

I nostri pensieri sono testardi, e i nostri pentimenti sono fiacchi
con laute ricompense confessiamo le nostre colpe
e rientriamo sereni lungo il sentiero fangoso*
credendo di lavare tutte le nostre colpe con vili lacrime.

* = il fango compare spesso nel libro a partire dall’ intento di alchimista di Baudelaire nei confronti della città esposto in uno dei progetti di prefazione "Tu mi hai dato fango e io ne ho fatto oro". Ma pensiamo anche alle ali del cigno della terza poesia della sez II, che “bagnava nervosamente le sue ali nella polvere” vs 21, e la polvere altro non è che fango asciutto. (tanti altri sono gli esempi)
Il tono della poesia si fa in questa strofa marcatamente cattolico: Qui troviamo una critica dura e radicale al rapporto del cattolicesimo col male, cioè col  peccato, il pentimento, la confessione. Col pretesto di confessione e pentimento, dunque assoluzione della colpa, di fatto, continuiamo a a commettere quegli atti ai quali diamo il nome di “peccati”, e a poco servono le “vili lacrime” con le quali crediamo di purificarci, perché alla fine restiamo quel che eravamo, né buoni, né cattivi, semplicemente umani. (Colesanti ricorda che per Baudelaire, la causa dei mali del mondo, è il peccato Originale, dunque la perdita della purezza e si avverte nell'opera un continuo senso di caduta, quasi in stile miltoniano).
Ci siamo forgiati degli abili strumenti di ipocrisia, ed è per questo importante rilevare la cesura che sospende la parola “Gaiement” nel vs 7 (e noi rientriamo sereni – lungo il sentiero fangoso)
= quindi in sostanza, anche se lo chiamiamo “cammino fangoso”, ci piace!
3
Sur l’oreiller du mal c’est Satan Trismégiste*
Qui berce longuement notre esprit enchanté,
Et le riche métal de notre volonté
Est tout vaporisé par ce savant chimiste.*

Sul guanciale del male c’è Satana Trismegisto
che culla lungamente il nostro spirito incantato
e il ricco metallo della nostra volontà
è tutto vaporizzato da questo sapiente alchimista

Satana trismegisto* è l’autore effettivo di tutti i nostri atti. La cultura cristiana gli attribuisce tutti i mali eppure qui si tratta di un male confortevole, perché funge per noi da cuscino sul quale poggiare la testa, è lui che culla il nostro spirito e grazie al suo mestiere di alchimista (scienza antica) riesce a vaporizzare la nostra volontà che è la base del nostro essere, quella che ci permette di conferire alla realtà un volto diverso (la volontà è considerata forte come un metallo di valore, che però sarà vaporizzato dal male)

Ps: scrive nella nota iniziale di Mon coeur mis à nu: De la vaporisation et de la centralisation du moi. Tout est là (I,I) Scrive a tal proposito Massimo Colesanti “ Direi che Baudelaire ha portato fino in fondo questa centralizzazione dell’io, tragicamente e spietatamente. In definitiva, il più grande poeta lirico e lucido, cosciente, che il Romanticismo abbia prodotto, è proprio Baudelaire”
L'atto di vaporizzazione torna spesso nel libro. Qui è la debole volontà umana ad essere vaporizzata.
* Trismegisto = tre volte grande... tre è un numero sacro, che Baudelaire usa in senso dissacratorio, lo fa anche nella sezione"Révolte" in cui le poesie sono solo tre e tutte contro Dio.
* Chimico, alchimista...questo crea una “fratellanza” con l’autore che spesso parla di un poeta alchimista, (che trasforma il fango in oro, come in uno dei progetti di prefazioni, o che nella poesia “l’alchimie de la douleur” (l’alchimia del dolore), sul finire della sez. uno, inverte l’alchimia e trasforma l’oro in ferro e il paradiso in inferno, “par toi”, cioè per mezzo di Hermes inconnu, il quale altri non è che il famoso Satana trismegisto di questa poesia.
4
C’est le Diable qui tient les fils qui nous remuent !
Aux objets répugnants nous trouvons des appas ;
Chaque jour vers l’Enfer nous descendons d’un pas,
Sans horreur, à travers des ténèbres qui puent.

È il Diavolo a tenere i fili che ci muovono!
Negli oggetti ripugnanti troviamo fascino;
Ogni giorno verso L'Inferno discendiamo di un passo
senza orrore, attraverso tenebre puzzolenti.

La maiuscola che usa per descrivere il diavolo corrisponde ad una allegorizzazione, dunque ad una personificazione del male. Questo essere, Satana, ci tratta come marionette, muovendo i nostri fili, e noi amiamo gli oggetti che ipocritamente definiamo “ripugnanti” (anche per via della nostra cultura, cristianesimo incluso) e questo fa si che scendiamo verso l’inferno ad ogni respiro... le tenebre puzzolenti, ovvero la vita che viviamo senza orrore è l’Inferno stesso governato da Satana. La vita che esiste è una oscurità fetida.
Richter nota che qui Baudelaire inizia a mischiare il PIACERE col MALE (a tal proposito vedi tutte le parti che ho sottolineato  in ogni strofa –incluse quelle che seguono: vs 3/7/10/14/19/26)

5
Ps: La quartina è stata censurata nel '59 per immoralità
Ainsi qu’un débauché pauvre qui baise et mange
Le sein martyrisé d’une antique catin, (= puttana)
Nous volons au passage un plaisir clandestin
Que nous pressons bien fort comme une vieille orange.

Come un povero debosciato morde e carezza
il seno martirizzato di una vecchia puttana,
Noi rubiamo di passaggio un piacere clandestino
e lo spremiamo con forza come una vecchia arancia.

Qui approfondisce attraverso comparazioni aspramente realiste, il motivo della strofa precedente, soprattutto l’attrazione per gli oggetti ripugnanti.
Nella prima strofa si parla di mendicanti (ai quali si è associati perché nutrono col loro sangue i parassiti che li abitano, e allo stesso modo noi nutriamo i nostri vizi), qui c’è una nuova assimilazione ai poveri, “debosciati” VIZIOSI che pur di soddisfare istinti primordiali, mordono il seno di una vecchia puttana (antique Catin: termine volgare) spremuto come un’arancia (linguaggio popolare di ambienti equivoci parigini)
Notiamo però che questo piacere viene rubato, e non liberamente goduto, perché si è nella condizione di poveri e in viaggio verso l’Inferno.
Abbiamo dunque vergogna di apparire per come siamo effettivamente. La nostra vergogna non è però nei confronti di Satana che tira i fili delle nostre azioni. Noi abbiamo vergogna all’idea che esista qualcuno ricco e non vizioso, ci vergogniamo per quel che vorremmo essere e non siamo (la volontà l’aveva infatti paragonata a un ricco metallo che però Satana, sapiente chimico, farà evaporare)

Richter cerca di analizzare le immagini che ci assimilano ai mendicanti e ai poveri che approfittano del piacere ottenibile da una vecchia prostituta, e conclude:
A_ che occorre escludere una condizione di bontà.
B_che possiamo sperare solo di avere un piacere non clandestino soddisfacendo i nostri istinti di viziosi con una giovane prostituta, saporita come una spremuta d’arancia fresca.
Tutto questo significa che la realtà culturale in cui viviamo, realtà che inventa una struttura dualista dividendo l’uomo in anima e corpo, bene e male, cielo e terra etc... non ci consente altro che un rapporto clandestino con dei piaceri degradati, ottenibili da una vecchia prostituta.

 Perché Antique Catin? Forse in senso ironico, per indicare una vecchia, ma forse allude anche a qualcosa di più ampio come la civilizzazione occidentale e il suo mito, civilizzazione invecchiata, antica, come una prostituta che non può donare altro che sapori disgustosi del frutto di una vecchia arancia spremuta.

6
Serré, fourmillant, comme un million d’helminthes,
Dans nos cerveaux ribote un peuple de Démons,
Et, quand nous respirons, la Mort dans nos poumons
Descend, fleuve invisible, avec de sourdes plaintes. (il fiume invisibile: La morte)

Stipati, brulicanti, come milioni di elminti (parassiti intestinali...qui nel cervello!)
un popolo di Demoni fa bagordi nei nostri cervelli,
e quando respiriamo, La Morte nei nostri polmoni
scende, fiume invisibile, con lamenti sordi

Nelle nostre teste c’è qualcosa che ricorda un corpo in putrefazione: un popolo di Demoni o di spiriti malvagi che si danno ad un’orgia gioiosa nei nostri cervelli e vengono assimilati a dei germi che di solito vivono nell'intestino (gli Elminti, termine dotto!) Ecco dunque un terribile avvicinamento di cervello ed intestino: da una parte i demoni, dall'altra i versi,  e’ in ciò la differenza fra SPIRITO E CORPO.
=Parlavamo di putrefazione, in effetti ecco che ad ogni respiro scendiamo verso l’inferno di un passo (immagine che mi ha fatto pensare istintivamente al bel lavoro di Giger che ho pubblicato nel post)

7
Si le viol, le poison, le poignard, l’incendie, ( 4 elementi come n 1° strofa)
N’ont pas encor brodé de leurs plaisants dessins
Le canevas banal de nos piteux destins,
C’est que notre âme, hélas! n’est pas assez hardie.

E se lo stupro, il veleno, il pugnale e l' incendio,
non hanno ancora ricamato con ricami piacevoli
la tela banale dei nostri pietosi destini,
è che la nostra anima, purtroppo! Non è abbastanza ardita.

Questa è la strofa più atroce, la più sconvolgente.
Hélas: Interiezione che funge da perno della sua violenza. Il critico si sofferma soprattutto su due espressioni:
A_Plaisants dessins: I ricami eseguiti sulla nostra tela da stupro, veleno, pugnale, e incendio, li definisce “Piacevoli”, cioè atti a procurare piacere. E Richter non è troppo sicuro che sia un’espressione ironica.
B_Canevas banal de nos pitieux destins. La vita che costituisce i nostri pietosi destini, è definita BANALE, insignificante, senza interesse e dunque noiosa, insopportabile. Ma questo tipo di vita non corrisponde ai nostri istinti profondi (in cui sarebbero iscritte le pulsioni suddette). E sebbene tale coscienza possa fare orrore, Baudelaire ci dice che tali orrori ci farebbero piacere. (Cosa già ribadita nelle strofe precedenti: 1’ i nostri amabili rimorsi, 2’ rientriamo felicemente nei nostri cammini fangosi, 3’ il nostro animo incantato, 4’ agli oggetti ripugnanti troviamo un fascino.... senza orrore, 5’ un piacere clandestino... )

= Di fatto, il solo motivo per cui non compiamo questi atti crudeli è che “Hélas!”, il nostro animo non è abbastanza coraggioso! In questa interiezione si crea una frattura fra il lettore (che si compiace di non avere questo coraggio per le cose orribili) e il poeta, di altro avviso....

= Il dovere del poeta è cercare l’INCONNU dell’animo, il mistero che c’è dentro di noi, il mondo inghiottito di un’anima che si è ritagliata uno spazio vivibile, che si è fabbricato dei miti consolatori ed illusori (per esempio l’animo del cristiano: anima senza coraggio, ipocrita che si pretende quel che non è. Vedi note della seconda strofa). Questo compito che il poeta si prefigge, richiede un coraggio enorme. Si tratta di lottare contro la “verità” dell’ipocrisia, una verità in cui il poeta stesso si trova affogato, è una verità che fa dell’uomo un mendicante, un povero che trae piaceri furtivi da una vecchia prostituta.

Si tratta di dimostrare la struttura stessa della nostra cultura e della sua lingua. Così concepita, la poesia diventa strumento privilegiato della conoscenza (siamo ben lontani dalle preoccupazioni dell’eleganza formale)

Le tre quartine che concludono la poesia, formano un blocco quasi compatto, con una struttura sintattica che si suddivide in tre parti che coincidono quasi perfettamente con queste strofe:
1_ Mais parmi (8’)... 2_ il en est un...(9’) 3_ c’est l’Ennui...(10’)
 Il resto del commento lo scrivo a fine poesia.

8
Mais parmi les chacals, les panthères, les lices ( nuova elencazione, più numerosa)
Les singes, les scorpions, les vautours, les serpents,
Les monstres glapissants, hurlants, grognants, rampants,
Dans la ménagerie* infâme de nos vices,
* vedremo il ruolo del serraglio per "il cigno"

Ma in mezzo agli sciacalli, le pantere, le linci,
le scimmie, gli scorpioni, gli avvoltoi, i serpenti,
i mostri urlanti, ruggenti, striduli, rampanti
nel serraglio infame di tutti i nostri vizi,

9
Il en est un (mostro) plus laid, plus méchant, plus immonde !
Quoiqu’il ne pousse ni grands gestes ni grands cris,
Il ferait volontiers de la terre un débris
Et dans un bâillement avalerait le monde

Ve n’è uno più brutto, più maligno, più immondo!
Benché non si riveli con gesti o con grida
farebbe volentieri della terra una rovina
E con uno sbadiglio ingoierebbe il mondo.

10
C’est l’Ennui ! L’oeil chargé d’un pleur involontaire,
II rêve d’échafauds en fumant son houka. (simile al narghilé)
Tu le connais, lecteur, ce monstre délicat,
– Hypocrite lecteur, – mon semblable, – mon frère !

È la Noia – occhio gonfio di lacrime involontarie
sogna patiboli fumando la sua pipa.
Tu lo conosci, lettore, questo mostro delicato
– Ipocrita lettore – mio simile – mio fratello!

In principio Baudelaire aveva incluso un' epigrafe di Banville secondo la quale: il VIZIO non ha per madre la scienza e la VIRTU' non è figlia dell'ignoranza, morale... la conoscenza dell'uomo è ipocrita!

Questa organizzazione del discorso ha la funzione principale di rinforzare le parole dell’ultima strofa. (C’est l’Ennui...) già nella settima strofa “Banal” ed “hélas” annunciavano lo sviluppo di questo motivo.
Dopo aver letto la settima strofa il lettore è portato a sentirsi “fortunato” perché la sua anima non ha il coraggio che serve per il male, ma dall'altra parte capisce che sta realizzando una forte occultazione e repressione di qualcosa che è dentro di sé, e lo sta facendo attraverso l’ENNUI, la noia, figlia dell’ipocrisia e per Baudelaire, il peggiore dei vizi possibili.
L’ennui è uno stato di non autenticità, di profonda insoddisfazione, è il risultato a cui arriva un anima che non sa rispondere all'ampiezza dei desideri e degli istinti che si agitano in “noi”.

Richter articola così il pensiero di Baudelaire:
“Peccato che l’anima non renda meno banale, quindi noiosa la vita, commettendo stupri etc... ma esiste un vizio ancora peggiore che è la noia.” Ci si chiede se l’autore desideri oppure no che l’anima esprima questo terribile vizio, il peggiore possibile.

L’ennui ci è raccontato come il peggiore dei mostri (o vizi) che sono imprigionati, come bestie feroci nella gabbia della nostra anima. In linea con la settima strofa, ci si chiede perché anche questo vizio, come gli altri, non dovrebbe manifestarsi? E in che modo? Essendo riconosciuto come tale (cioè come noia) nella realtà che esiste, nella “scienza imbrattata di inchiostro”, nel dualismo che struttura la cultura che ci consente di vivere e parlare. Solo che tale riconoscimento non è semplice da fare. La noia (personificata dalla maiuscola) ci è presentata nella sua natura poco “voyante” poco rumorosa, (non fa grandi gesta né grandi urla), ed è personificata nelle vesti di un uomo qualunque, triste anche se non vuole esserlo (l’occhio gonfio di lacrime involontarie), un uomo che fuma la pipa, affogato nei suoi pensieri sinistri e distruttivi (sogna i patiboli fumando l’houka)

Cerchiamo di ricapitolare:
Il peggior vizio dell’anima è la sua mollezza. Il fatto che non sa accettarsi per quel che è, genera il peggiore dei mostri: la noia, un male peggiore dello stupro etc... (la noia desidera la distruzione del mondo e dell’uomo, e farebbe volentieri una rovina della terra... e con uno sbadiglio ingoierebbe il mondo ... sogna patiboli... )
L’ Ennui che porta in sé la disperazione, malgrado la sua apparente tranquillità, desidera la fine del mondo. L’ennui è la realtà che esiste, la realtà inventata, voluta dall'anima che non ha il coraggio di rivelarsi secondo la sua realtà effettiva: La noia nasce dall'ipocrisia. Il mondo che esiste è noioso ma l’anima non vuole riconoscerlo allora finge che non lo sia ( e quest’anima è del lettore ma anche dello scrittore)

Per evitare il peggiore dei mali, occorre che l’animo si faccia cosciente e riconosca che la realtà, forgiata al servizio della sua ipocrisia, è noiosa, monotona, banale...

E’ per questo che la prima poesia del libro invita il suo lettore a non sentirsi differente da chi scrive, a non dissociarsi dalle parole violente che gli sono indirizzate, ma a riconoscersi fraternamente unito all'autore.

Ultima cosa, non secondaria.
“Mon frère” è l’ultima parola della poesia, e si trova in una posizione strategica.
Col battesimo tutti gli uomini di chiesa diventano fratelli e così sono trasformati nel cristo, figlio di Dio. Baudelaire inizia dunque il suo libro con dei versi di sottile DEMISTIFICAZIONE: Gli uomini capaci di leggere e scrivere, somigliano tutti per via della loro educazione, inevitabilmente fondata su dei principi dualisti, dunque sull'ipocrisia, “Mon semblable” e se grazie alla loro morale cristiana (fondamentale nel secolo scorso) si chiamano “fratelli” come risultato della loro ipocrisia perché la loro anima dissimula in realtà degli istinti terribili, affatto fraterni. (Viol, poison, poignard, incendie) degli istinti che Baudelaire rimpiange di non vedere prendere libero corso.


Formalmente ci sono due aspetti da notare:
l’accumulazione di termini e l’unione di parole astratte con immagini e parole molto concrete, quasi volgari
così si annunciano due elementi fondamentali della poesia di Baudelaire: La violenza, e l’accostamento di contrari, all'occorrenza, dell’astratto col concreto, del nobile col volgare.



NB:  Forse ti può interessare anche questo post, dedicato ad Eliot: The waste land (in cui viene citato un verso di  Baudelaire, preso da questa poesia! )