Quattro "Spleen" e "la cloche felée"

Siamo sul finire della sezione I: Spleen et Idéal.

In questo post, racconterò il percorso compiuto dal poeta in cinque poesie consecutive, situate nella parte finale della sezione uno, Spleen et Idéal, composte con stili diversi, ed accomunate dallo Spleen, dalla nostalgia, dalla progressiva perdita della Speranza, per finire col trionfo dell'Angoscia, che quasi annulla l'Idéal.  

Dora Maar
"Gli anni ti tendono un agguato"

Sul finire della prima sezione dei fiori, lo spleen sembra sottrarre spazio e possibilità all’Idéal, che è la sua controparte o se vogliamo, la sua compensazione artistica.

“Spleen” come “Ennui”, ma in inglese, per accentuare il senso di estraniamento, ed “Ennui” come “Noia”, un sentimento moderno narrato con successo, a inizio XIX secolo, nel racconto eponimo di René de Chateaubriand, "René". 
La noia, che per Chateaubriand era dovuta ad un cambiamento storico inarrestabile, diventa in mano a Baudelaire, una sorta di cattedrale poetica, rappresentativa di tutto un secolo disorientato rispetto alla storia, alle forze politiche in campo, alla scienza che avanza, alla società, sempre più borghese e materialista. Questi cambiamenti sono visibili anche lungo gli ampi boulevards parigini, volti a manifestare anche visivamente, il potere di Napoleone III, o di fronte a palazzi interamente ricostruiti o abbelliti. Tutto subisce un processo di inarrestabile metamorfosi a Parigi, ed accade molto in fretta. (Il cigno: "la forma di una città cambia più in fretta del cuore di un mortale") lasciando tutti un po’ smarriti, impotenti, praticamente “esuli” anche in terra propria. A tal proposito, cito ancora la poesia: il cigno - penultima strofa*. 

* La morale sembra essere:
Tutti abbiamo perduto qualcosa - come Andromaca, il cigno e la negra- dunque siamo tutti esiliati, anche noi che viviamo qui a Parigi, noi uomini moderni, per cui:
- Tutti siamo nobili (e questo cancella l'apparente opposizione iniziale)
- Nobilita la sofferenza
- E anche lui si esilia!

Lo Spleen, come il rintocco funebre di una campana, torna con costanza e monotonia in cinque poesie dal titolo: La cloche fêlée (La campana incrinata) del 1851, che in principio si chiamava “Spleen”, poi Spleen I, sempre del 1851, Spleen II Spleen III e Spleen IV tutte pubblicate nella prima edizione dei fiori nel 1857.

I numeri (I, II, III, IV) sono stati da me aggiunti per comodità di riferimento, ma non esistono nei titoli, che si limitano al “rintocco” monotono ed ossessivo della parola “Spleen”, ed a seguire: “Ossessione”
“il gusto del nulla”
“Alchimia del dolore”, 
“Orrore simpatico”
“L’Héautontimoruménos”
“l’irrimediabile”e 
“l’Orologio” che chiude la sezione I (in principio era la terzultima poesia della lista ad introdurci alla sezione II: Tableaux parisiens)

Quanto alle “spleen”, mi è parso interessante prendere per un attimo le distanze dalla precisione dei versi, per intrecciarli in un unico racconto, praticamente in prosa, al fine di vedere che immagine che ne sarebbe uscita. In questa sede però, mi limito a raccontare le poesie a grandi linee ed in successione. 

Campana della chiesa dell'Annunziata.

I La campana incrinata getta un urlo religioso nel mezzo della nebbia in una notte d'inverno. Nel chiuso di una stanza scaldata dal camino, questa "voce" cristiana risveglia nella mente del poeta, che si trova nella stanza, ricordi lontani. La voce grossa della campana somiglia nelle sue orecchie, a quella di un militare sotto la tenda, laddove la sua anima, incrinata come la campana ed annoiata, emette suoni deboli, che gli ricordando il rantolo di chi muore sofferente in un pozzo di sangue, sommerso da altri cadaveri, immobile. 

Mia la foto e l'elaborazione. 

II Spleen -1- “Piovoso”, è la prima parola della poesia, e va intesa alla lettera. Nel calendario repubblicano, questa parola designa i primi mesi dell'anno, freddi e piovosi, quindi gli è funzionale. 
Come un’urna, il cielo riversa fredde tenebre sul mondo dei vivi, nei sobborghi nebbiosi, e mortalità su quello dei morti, che è il cimitero. Di fatto, è il poeta che riversa sulla città la sua malinconia, associando il suo stato d'animo alla stagione invernale. La pioggia, potremmo dire, non ha colpe. 

Nella seconda quartina egli compara il suo gatto magro e scabbioso che si agita in cerca di un giaciglio sul pavimento, all'anima del poeta che, come un fantasma freddoloso, erra sulla grondaia. E’ nota la passione di Baudelaire per i gatti,  forse per il loro spirito indomito ed anche un po’ gotico (Penso a Poe, spirito affine d'oltreoceano, ma anche al film di Jean Vigo, "L'atlante", nel quale il regista sostituisce i cani previsti dal copione, coi gatti, creando così una maggiore suggestione.)

Il fuoco, che nella prima poesia scalda il poeta, diventa ora: un ceppo affumicato, quindi si sta spegnando. Ancora una campana, stavolta “bourdon” (non “cloche”) che in questa occasione non getta un grido religioso, ma si lamenta ed accompagna in falsetto una pendola (orologio) raffreddata mentre in un mazzo di carte che emana odori lerci, (fatale eredità di una vecchia idropica*) un fante di cuori e una donna di picche chiacchierano sinistramente dei loro amori defunti.

*La degenerazione idropica è un processo patologico dovuto all'accumulo di acqua all'interno della cellula.

III Spleen -2-  Ancora souvenirs, come nella prima poesia: "La cloche fêlée". Lì erano ricordi lontani, qui sono numerosi e anche lontani. Il poeta afferma di avere più ricordi che se avesse mille anni. (mille come il numero ripetuto più volte nella poesia “I fari”) 

Paragona la sua mente ad un cassetto pieno di conti, versi, biglietti e tanto altro, eppure il cassetto nasconde meno segreti del suo triste cervello che ora paragona ad una piramide, ad un sepolcro contenente più morti di una fossa comune. I morti del cimitero della seconda poesia, finiscono letteralmente nella mente del poeta, mentre lì erano solo bagnati da fredde tenebre. Sembra che la pioggia di prima abbia qui impregnato anche la sua mente.

“Sono un cimitero aborrito dalla luna” dice, e qui, come rimorsi, i vermi tormentano i suoi cari defunti. Anche in altre poesie si narra di vermi su cadaveri di persone a lui care. Interessante notare che, in francese, "vers" significa "vermi" ma anche "verso"... poetico. 

“sono un vecchio salotto” pieno di rose appassite e mode ormai superate, e in cui si respirano odori di un flaconcino aperto (già incontrato nella poesia “Le flacon”, sezione I, e gli odori ricordano il mazzo di carte della poesia precedente. Odori lerci, per l'esattezza.)

Dopo la nebbia e la pioggia delle altre composizioni, ora è la neve a caratterizzare quelle lunghissime giornate statiche d'inverno, e ad alimentare la noia, figlia di "incuriosité", ovvero di indifferenza che assume in tali occasioni, proporzioni di immortalità; quasi paradossale visto che tutto attorno a lui muore. Vero però che nella poesia "Au lecteur" ci aveva avvertito che la noia è capace da sola di fare volentieri della terra una rovina e con lo sbadiglio ingoierebbe il mondo. 

Infine si rivolge alla sua materia vivente che “non è più” figura retorica che sta per “morta”, ma poi continua, ed il senso cambia: 

Non sei che un granito circondato da vago spavento, assopito nel fondo delle nebbie (una costante) del Sahara. (nebbie di sabbia sta volta). Sempre rivolgendosi alla materia vivente, la paragona ad una sfinge ignorata dal mondo incurante, dimenticata sulle mappe “sur la carte” (nella poesia precedente le carte parlano dei loro amori defunti, ma sono carte da gioco, queste invece sono carte geografiche, tuttavia, in entrambi i casi, c'è aria di sinistro destino)

La sfinge ha un umore “farouche”, quindi selvaggio. Altrove l’aggettivo è associato ai gatti, come nell’altra poesia (gatto-animo del poeta) il cui umore canta solo al tramonto del sole. Per Mallarmé, il tramonto è l'altro nome della morte degli Dei, ed in Baudelaire, che lo precede, non manca un generale senso di decadenza (Penso a "La vie antérieure"). 

IV Spleen -3- Qui il poeta si compara al re di un paese piovoso (“Piovoso” era l’inizio del primo "spleen"). Nella poesia si sfrutta il topos del re triste ed inconsolabile, infatti egli è giovane ma vecchio, sprezzante degli inchini dei precettori, annoiato dai cani e dalle altre bestie, ma anche dal buffone di corte e dalle donne incapaci di piacere a questo giovane scheletro. La caccia, così come la visione del popolo che muore di fame davanti al suo balcone, gli sono egualmente indifferenti, e per questo il suo letto si trasforma in tomba. (riferimento al fiordaliso, quindi è un re di Francia)

Il "savant" capace di produrre oro* per lui, non ha mai saputo estirpare dal suo essere l’elemento corrotto, e coi bagni di sangue (vedi il finale della prima poesia citata) ereditati dai romani di cui in vecchiaia i potenti si ricordano, non ha saputo scaldare quell’ebete cadavere nel quale, al posto del sangue, circola acqua léthé. (chiaramente allude al fiume dell'oblio).
*Produrre oro, come sappiamo, è il mestiere dell'alchimista , al quale spesso il poeta associa il suo mestiere di poeta "tu mi hai dato del fango, ed io ne ho fatto oro", scrive rivolgendosi alla sua città, che è Parigi,  in un progetto di prefazione successivo alla prima edizione, volto a "spiegare" gli intenti del suo libro, condannato e censurato, dunque non compreso dai più. Si enfatizza mi sembra, il bisogno di riscrivere la realtà, filtrandola con gli occhi del poeta, che in questo caso, fallisce, come tutti gli altri, rispetto al re infelice, divorato dalla mancanza di curiosità.  

Dora Maar
"Gli anni ti tendono un agguato" 

V spleen -4- L'ultima poesia della serie è la più angosciante perché segna la resa della Speranza e la vittoria dell’Angoscia. 
Nb:Le maiuscole stanno a rappresentare l'allegorizzazione delle due parole. Ricordiamo che ai suoi tempi questa figura retorica era considerata superata, antica, ma il poeta ne fa ampio uso.  

La poesia si avvale dell'uso di anafore per i primi tre versi, che stanno a rafforzare il senso del rintocco, del ritorno, della monotonia dello spleen. 

Quando Il cielo è basso e cupo, pesa come un coperchio sull'anima che geme in preda a lunga noia. Esso versa dall'alto, come Pluviose nell'altra poesia; un giorno nero più triste delle notti. (nella prima era notte, qui è un giorno che diventa notte) 

Quando la terra si trasforma in umida galera in cui la Speranza come un pipistrello vola sbattendo ovunque con le sue timide ali, e sbatte la testa sui soffitti fradici.

Quando la pioggia imita, scendendo, le sbarre di una prigione, e mentre un popolo di ragni infami tende le sue ragnatele nel nostro cervello, delle Cloches (campane) all'improvviso saltano con furia e lanciano verso il cielo un urlo orrendo, come spiriti erranti e senza patria che si mettono a gemere ostinatamente. Non più un grido religioso come nella prima, o il lamento del Bourdon, che è comunque una campana, ma si lamenta, questa invece urla da far paura. Infine, dopo tanto parlare di cimiteri e morti, arriva nella poesia, il tempo dei funerali e relativi cortei di carri funebri silenti (dopo l'urlo della campana) senza tamburi e musica. 

Tutto accade nell'anima del poeta, dove i carri sfilano lenti. 
Perché sta accadendo? 
la Speranza sconfitta, piange, e l’Angoscia atroce pianta la sua bandiera nera nel suo Cranio, la speranza è finita, e lo spleen ha vinto sull'Idéal. 

Gérard De Nerval

Et j’ai deux fois vainqueur traversé l’Achéron :

Modulant tour à tour sur la lyre d’Orphée 

Les soupirs de la Sainte et les cris de la Fée.

da: El desdichado

Gerard De Nerval. 
22 maggio 1808
26 gennaio 1855 ...
attraversato infine
l' Acheronte

...Fu necessario ricorrere alle cure di un competente, con grande indignazione di Gérard, a cui riusciva incomprensibile che dei medici si dovessero occupare di lui perché era andato a passeggio, al Palais Royal, portando con sé, attaccato a un nastro azzurro, un gambero vivo. "Perché mai -diceva- un gambero è più ridicolo di un cane, di un gatto, di una gazzella, di un leone o di qualsiasi altro animale che ci si trascina dietro? Mi piacciono i gamberi, che sono tranquilli, seri, conoscono i segreti del mare, non abbaiano e non inghiottono la la monade alle persone, come i cani tanto odiati da Goethe che pure non era matto" 

...

Superata la crisi, tornava in pieno possesso delle sue facoltà e raccontava, con meravigliosa eloquenza e poesia, quello che aveva visto durante le sue allucinazioni, mille volte superiori alle fantasmagorie prodotte dall'Haschish e dall'oppio.
Gérard dormiva pochissimo, leggeva fino a tarda notte e aveva scoperto un modo singolare per farsi luce: poneva in equilibrio sulla testa uno di quei grossi candelabri in cuoio chiamati "Martinets" che proiettava la luce sulle pagine aperte; ma a volte il sonno lo vinceva e il candelabro cadeva, rischiando di dar fuoco al letto" Michelangelo e Grondet dipingevano di notte in questo modo, con delle candele sulla testa.

"Credo forse di essere innamorato? Credo forse di essere malato? Ma se lo credo, lo sono!"

Questo pazzo adorabile, ha tradotto il Faust di Goethe quando era giovanissimo, e l'autore gli ha scritto dicendogli: "Prima di leggervi non mi ero mai così ben compreso"

...Sono alcune riflessioni di Théophile De Gautier, sull'amico dall'animo gentile, colto e un po' fuori di testa, concetto relativo se non fosse che, a un certo punto, ti fa impiccare al primo cancello, con un corvo che ti fissa e ti ripete "nevermore"  

Gérard de Nerval. Riposa al Père Lachaise, il "cimitero mitico" dove tutti vanno cercando Jim Morrison e poco più. Si trova dalle parti di Balzac, e io purtroppo, non sono riuscita a trovarlo, e l'ho molto cercato, il mio amato "diseredato". 

Da: Paris c'est mon pari ... I cimiteri mitici. Qualche divagazione del 2009.

Qui un link you tube, una bella lettura della sua poesia "El desdichado", il diseredato...  fino a quando non verrà cancellato dal web (potrebbe succedere)

Dal web...

questo blog deriva da: http://lestanzeletterarie.blogspot.it/2015/07/gerard-de-nerval.html

I FIORI DEL MALE.

...Una nuova edizione, tradotta da Romano Palatroni. 

La prossima novità Gwynplaine (Marchio editoriale Dakota Press)

Segnalo l'uscita di un'edizione di Fiori in lingua italiana, tradotta dal marchigiano Romano Palatroni. 

Il libro è del 1959, ed è stato pubblicato postumo, due anni dopo la morte del traduttore. 

A cinquantasei anni dalla prima pubblicazione, Gwynplaine edizioni (Camerano -AN-) casa editrice indipendente, rinnova l'appuntamento coi lettori del  poeta "maledetto" per antonomasia, riproponendo"I fiori del male" tradotto in uno stile che rispecchia il tempo in cui il lavoro è stato realizzato. Il curatore dell'opera è Antonio Prenna, la prefazione è stata scritta da Davide Rondoni. Il libro contiene anche un'intervista ad Umberto Piersanti. Infine, la bellissima illustrazione di copertina, è di Cecilia Tantucci.  

Orlando Micucci, che è a capo della Gwynplaine, oltre che mio amico, si è sentito attratto dall'idea di svolgere un'operazione culturale tout court, e quindi si è impegnato a divulgare una versione dei Fiori scritta da un signore che viveva ad Osimo, vicino Camerano, la cui storia è stata puntualmente raccontata dal curatore, Antonio Prenna. 

Tradurre è un po' riscrivere, perché per neutri che si rimanga, c'è sempre qualcosa di personale nel risultato finale, e lì sta la sfida e anche il timore, immagino. Lo stesso Baudelaire, folgorato da Edgar Allan Poe, si occupò a lungo di tradurre le sue opere in Francia, introducendo così in  Europa l'autore di poesie come "The raven" -il corvo- e racconti come "il gatto nero", passando per le sue riflessioni critiche. Mallarmé, anni dopo, seguì le orme di Baudelaire, scrivendo in principio poesie con titoli uguali ai suoi, ma anche traducendo a sua volta E.A.Poe, ed il confronto fra i due mostra l'evoluzione del secondo sulla via di un ermetismo che, in quanto tale, si voleva "difficile" da decifrare, tanto che spesso, leggendo Mallarmé, si ha l'impressione di dover tradurre due volte ogni singola parola: dal francese all'italiano, e poi dal simbolo che ogni termine contiene, al concreto. Penso a "ses pures ongles" (Le sue unghia pure), storia di un lutto, con termini tipo "pthyx", che fanno parte di un ideoletto, cioè un linguaggio che è solo suo (come capirlo senza un "dizionario" in grado di "tradurre" il significato di un termine che, paradossalmente, neppure esiste?).  
Tradurre non è solo una questione letteraria o testuale in genere, ma accade ogni volta che si comunica. Penso a Joyce che studiò la lingua di Ibsen così da potergli esprimere gratitudine per la portata innovativa del suo teatro. Penso anche ad un articolo per lo meno fantasioso letto qualche tempo fa, secondo il quale, Baudelaire avrebbe vinto I fiori in una fortunata mano a carte con l'amico Nerval, che è tutto un dire... tuttavia, costui sta studiando, scavando negli archivi e, a modo suo, sta riscrivendo per l'ennesima volta, una storia fin troppo travagliata, nel tentativo di screditare fino all'ultima virgola, un poeta che già in vita dovette subire svariati atti di arroganza. 

Baudelaire, quant à lui... 

-dati sparsi-

Baudelaire ha scelto nelle vesti di poeta, il mestiere dell'alchimista. 

"Tu m'as donné ta boue, je n'ai fait de l'or" scrive in un progetto di epilogo per la seconda edizione dei Fiori, nel 1861. Che significa? L'alchimista è un lontano antenato del chimico, del fisico, dell'astrologo, e anche del medico, quindi il poeta decide di praticare mestieri del passato remoto, in un periodo in cui le scienze avanzano velocemente, e con esse il "progresso", inteso sempre più in senso economico e criticato da Baudelaire, che in quest'ottica sceglie la "religione" del Dandy, e relativo culto dell'INutile, da opporre al "dieu de l'Utile" che implacabile e sereno avvolge i bambini in pannolini di bronzo... fortissima metafora della materia che trasforma la persona, e la contorce [ Poesia V: J'aime le souvenir de ces époques nues], con la stessa logica, assistiamo al risveglio del "Travail" nella poesia Il cigno, fra le più apprezzate e note, per complessità e ricchezza tematica. Ho evidenziato le lettere "U" di utile, e "T" di travail, perché si trovano così nel testo, e perché la maiuscola serve a fare allegoria del termine, quindi a personificarlo. "Tutto per me diventa allegoria". Qualcuno vede nella metafora dei pannolini di bronzo, il mestiere dello scrittore che, attraverso la poesia, filtra i dati del reale nella sua mente, e li "contorce", li modifica, in base alle sue esigenze creative, dunque non un'arte "realista" che si limita a riproporre ciò che vede, non un'arte "romantica", frutto di ispirazione piovuta dal cielo, ma una poesia che tante volte i critici, hanno avuto la tentazione di definire moderna, ovvero situata in una linea di confine fra passato e futuro, fra sonetto e verso libero, fra raccolta poetica e libro custode di una "terribile moralità". 

Perché il mondo va a rotoli? 

Rousseau, attribuisce ogni responsabilità alla società ed esalta la natura, che invece è purezza. 

Balzac pensa che sia l'interesse personale la causa del male moderno, e anche lui, praticamente coetaneo di Baudelaire, deve affrontare il cambiamento radicale e definitivo della città e dei meccanismi che muovono la società sotto Napoleone III. 

"Paris change!Mais rien dans ma mélancolie/n'à bougé! Palais neufs, échafaudages, blocs/vieux faubourgs, tout pour moi devient allégorie/et mes chers souvenirs sont plus lourds que des rocs" 

-Il cigno II parte vs 29/32

Ovvero:
Parigi cambia! ma nulla nella mia malinconia (sentimento moderno) è cambiato! Palazzi nuovi, impalcature, massi, vecchi sobborghi, tutto per me diventa allegoria, e i miei cari ricordi sono più pesanti delle rocce. 

Romanzi come L'Assommoir (L'ammazzatoio) 1877 di E.Zola avrebbero raccontato le vite fantasma di masse di lavoratori inghiottiti dai cantieri la mattina, e restituiti al buio delle strade e delle cantine la sera, dove un sinistro alambicco produceva sostanze alcoliche che li avrebbe storditi e resi simili a bestie. Sesso ed alcol sono dopotutto il solo lusso dei poveri, e il suo è un approccio "naturalista", come la scuola da lui fondata, e quindi l'autore è attento a rendere un'idea sociale, politica, quasi visionaria, a dispetto del pretesto di mantenersi fedele ai documenti che lo ispirano. Ho citato questo romanzo, perché si parla dei lavori edili parigini ai tempi del barone Haussmann, e Baudelaire parla dello stesso argomento, anche se, in questo caso, allude a  lavori di bonifica in zona Louvre, mentre Zola racconta di rue de la Goutte d'or, in zona Montmartre. 
La città cambia, ci sono infatti i lavori in corso. I blocchi, le impalcature acquistano con Baudelaire il diritto di cittadinanza in una poesia che ha toni estremamente "alti" e nobili. "Il cigno" è infatti un animale nobile, costretto però a vivere in un serraglio che, per quanto sia d'oro è pur sempre una galera. Esso evoca il "cigno di Mantova" che è Virgilio, autore dell'Eneide, da cui il riferimento ad Andromaca, nota anche per la fama  teatrale di Racine, gloria nazionale del secolo che precede i Fiori. 
Anche Victor Hugo è una figura letteraria nobile, oltre che reale. Esule a Guernsay per via di un decreto di espulsione da parte di Napoleone III, nel 1859 -anno della composizione poetica- potrebbe tornare in Francia se lo volesse, ma rifiuta sprezzante. Da ciò, il pretesto per scrivere la poesia, da parte del poeta. La dedica sulle prime sembra scollegata al resto, invece è funzionale a tutto un discorso che volge a nobilitare l'esilio, inteso -anche- come estraniamento, e poi il dolore e la malinconia, sentimenti moderni, romantici, e anche ... i lavori in corso, che sono un segno tangibile della modernità, intuibile anche dalle nuove architetture, dai sontuosi boulevard che oggi fanno la gioia dell'occhio del turista, ma allora servivano ad impedire attacchi nemici a Napoleone, ed erano volti a "firmare" la città che mai avrebbe dimenticato il nome dell'imperatore, impresso in ogni pietra, che Hugo, sprezzante, aveva definito nei primi anni di esilio: "Napoléon le petit", in rapporto al suo predecessore. 
Cigno-Hugo-Andromaca: Esuli, sofferenti, nobili. In effetti, la morale ultima sembra essere che la sofferenza nobilita chi la vive (come già aveva detto nella poesia Bénediction, la prima di Spleen e Idéal) e non solo Hugo, Andromaca, il cigno, la negra, ma tutti si sentono esuli in Francia da quando Napoleone III si è preso il potere e trasforma la città a sua immagine. Con lui, chiaramente, il maggior capo d'accusa è rivolto alla borghesia, forza economica, con poco gusto estetico. "Voi siete la maggioranza, ma occorre che impariate a sentire la bellezza", scrive su l'artiste verso gli anni quaranta. 

Questa poesia, così come tutta la sezione II dal titolo "Tableaux parisiens" porta critici come Walter Benjamin, ma anche Baudelaire stesso, a parlare di poesia della "modernità". Il poeta quasi se ne scusa, perché sa che l'impatto sui suoi coetanei, romantici, quindi bendisposti verso il lago, la vegetazione, i nobili sentimenti, potrebbero non capire le sue intenzioni. "Ipocrita lettore-mio simile-mio fratello!" così conclude la poesia Au lecteur, nella quale chiede al "candido lettore" romantico di togliersi la maschera e di guardarsi dentro, per dare il nome esatto alle cose.  


La quartina sopra citata sembra rispondere ad Alphonse de Lamartine, autore di: "Meditazioni poetiche" che nel 1820, cioè un anno prima della nascita di Baudelaire, introduce ufficialmente il romanticismo nella poesia francese, per via del suo incredibile successo. Nella nota elegia "Le lac", egli scrive: O lago! Rocce mute! grotte! foreste oscure! voi che il tempo risparmia o che può ringiovanire/custodite di questa notte, custodite bella natura, almeno il ricordo"
Baudelaire ricorda e sottolinea che esiste un fenomeno crescente di urbanizzazione, tale per cui "voi che il tempo risparmia" non è molto esatto. "Paris Change!" infatti, ed è impossibile ormai fingere che non stia succedendo. E' stato notato che vicino al lago di cui parla Lamartine, c'era uno stabilimento balneare turistico, di cui il poeta ha preferito non fare menzione, forse perché avrebbe tolto efficacia al ruolo della natura, più forte dell'uomo ed invariabile nei secoli. Baudelaire parla di calcinacci, blocchi e in sintesi, pone la mente e nello specifico, la creazione poetica, nella condizione di essere unica possibile custode della memoria: "tutto per me diventa allegoria, e i miei cari ricordi sono più pesanti delle rocce" Le stesse rocce alle quali Lamartine chiedeva di custodire il ricordo del suo amore. 
La natura è fonte di massima ispirazione per i romantici, spesso personifica sentimenti e stati d'animo, e il solo contemplarla, basta a far nascere la tanto osannata "ispirazione poetica" che cade dall'alto. Baudelaire, come Poe, come Balzac e ancora di più Flaubert, pensa che l'arte debba nascere da un lavoro intellettuale, lucido e razionale sul verso, quindi rinnegare la natura, è un modo come un altro per sottolineare il passaggio epocale dal romanticismo al Parnasse, la famosa tendenza poetica nata nella seconda metà dell'ottocento, e dedita al culto dell'arte per l'arte, massima che Hugo aveva coniato parlando di T.D. Gautier, al quale I fiori del male sono dedicati: 

"Al poeta impeccabile, 

al perfetto mago delle lettere francesi, 

al mio carissimo e veneratissimo 

maestro e amico 

Théophile de Gautier 

con i sentimenti 

della più profonda umiltà, 

dedico 

questi fiori malaticci" 

Allo stesso modo, nella poesia "Rêve parisien" -sogno parigino- che chiude la sezione II, l'autore parla di una realtà urbana nella quale "Par un caprice singulier/J'avais banni de ces spectacles/le végetal irrégulier", quindi non solo la natura non conserva la memoria, ma va cancellata e riscritta, seguendo il mestiere antico dell'alchimia. Tu, Parigi, mi dai il tuo fango, il tuo lato oscuro, ed io, poeta, ne ho fatto poesia, ho trasformato la materia in versi, ho fatto nascere fiori (bellezza) dal male, che è sempre esistito, quindi occorre rendersi coscienti, esplorarne le estremità. 

Il fine ultimo di questo libro, che per rispetto al poeta, mai chiameremo "raccolta", ma sempre e solo "libro", è di renderci forse più cinici, ma più onesti con noi stessi. Pronti infine a guardare il lato oscuro, per cogliere da esso una "terribile moralità", ovvero ciò che Le figaro, e poco dopo l'istruttore Pinard (passato alla storia per aver processato Mme Bovary e poi I fiori del male a distanza di qualche mese) non hanno saputo cogliere, giudicando il libro in base a banali regole di convenzionale costume borghese. 

Perché il mondo va a rotoli? Ci chiedevamo. Perché negare il male significa perpetrarlo, secondo Baudelaire, convinto che il solo progresso possibile, sia di tipo morale, dunque individuale, e non economico/borghese. Per questo cita il peccato originale, che è il momento della "caduta", da uno stato di primaria perfezione, verso uno stato in cui bene e male sono diventati parte inscindibile di ognuno di noi. E' stato anche notato che, a dispetto della incessante terminologia cattolica, sembra strano elogiare tanto Dio, senza mai citare Cristo, e limitandosi a parlare di Satana..."che culla a lungo il nostro spirito incantato, e il ricco metallo della nostra volontà è tutto svaporato da questo sapiente chimico" -au lecteur- poesia prologo.  Anche Satana dunque, come il poeta, si occupa di trasformare cose. A lui spetta il mestiere del chimico, parente a quello dell'alchimista, anche se egli opera nello spirito delle persone, uno spirito debole e pigro che non compie omicidi e stupri solo per pigrizia, non perché non ne abbia desiderio: 
"Se stupro, veleno, pugnale ed incendio/non hanno ancora ricamato con segni piacevoli/di pietosi destini il banale canovaccio/è che l'anima nostra, haimé! non è troppo ardita" -Au lecteur- vs 29/32 

L'uomo moderno, oltre ai sette peccati capitali, è alle prese con un nuovo mostro, moderno, che è "l'ennui", la noia, con un occhio carico di lacrime involontarie, capace di ingoiare il mondo con la forza di un solo sbadiglio. (Questa parte della poesia sarà citata anche da Eliot in "the waste land" 1922 ) e la poesia finisce indirizzandosi al lettore: Tu lo conosci, lettore, questo mostro delicato -ipocrita lettore- mio simile- mio fratello! 

L'ipocrita lettore è chiamato a sostituire il "candido lettore", affezionato ai versi del primo ottocento romantico, pronto a fidarsi ciecamente del poeta, e della sua visione sublimata del mondo. Illustrare il male, affinché si desideri, per reazione il bene. Questo il senso della "terribile moralità" di cui Baudelaire parla a Vigny, in una lettera. Perché "libro"? A differenza dei vari Lamartine, Hugo, Vigny, Musset eccetera, Baudelaire realizza un'architettura, ovvero un insieme di poesie perfettamente autonome se lette singolarmente, ma capaci di instaurare una fitta rete di interconnessioni, se lette in sequenza, e anche per questo, I fiori del male è un libro moderno, scritto con uno stile tradizionale, fatto di alessandrini, di sonetti, e Rimbaud, che, se pure gli riconosce il genio, gli rimprovera l'uso della "forma meschina", perché chi parla una nuova lingua, deve farlo con codici nuovi. Vero anche che Baudelaire come Flaubert, sono forse gli ultimi autori dell'ottocento che mischiano uno stile più tradizionale, a contenuti che di fatto, gettano le basi per un'opera moderna. 

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Ho voluto scrivere di getto, praticamente "a memoria" per una volta, cercando di seguire una linea di pensiero generica sull'autore. Ricordo però che esiste una mole impressionante di letture critiche dedicate a Charles Baudelaire, e lo stesso vale per il numero di traduzioni, fra le quali, vista l'occasione, dal 9 luglio 2015 potremo consultare anche quella di Romano Palatroni, un marchigiano che ha scelto un suo specifico codice linguistico per familiarizzare con la lingua madre del poeta, e trasformarlo in quanto di più simile alla sua idea di linguaggio poetico in italia, in quel periodo. Diciamo che il senso del blog consiste nell'ennesima "Invitation au voyage" e anche alla lettura di Baudelaire e suoi affezionati. 

Mirella Bentivoglio.

... Ospite al museo Nori De' Nobili fino al 5 luglio 2015. 

L’arte non è mai una risposta, 

è una domanda.
A.B. Oliva

“il volto e il nome, la maschera e i suoi lacci” 
è il titolo dell'opera sulla locandina.
Anno di realizzazione: 1989. 

La mostra prosegue fino al 5 luglio 2015 alle 21:30. 

Martedì e Sabato: Ore 10:30/12:30  

Sabato e domenica pomeriggio: ore: 17:00/19:30

Info: trecastelliufficioturistico@gmail.com /  

www.museonoridenobili.it

Ingresso gratuito.

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L'intento di questo scritto è di raccontare qualche impressione sulla mostra temporanea al museo Nori De’Nobili dedicata a Mirella Bentivoglio, di cui sapevo poco o nulla prima di questa occasione.

Ancora una volta abuso della disponibilità di Simona Zava, che è la curatrice della mostra, e che come sempre si presta ad illuminare il passante di turno; non contenta, sfrutto anche la presenza di Emiliano Zucchini. Ci scambiamo pareri riflettendo sulle opere, ed ascolto quanto hanno da dirmi in materia, pensando come già in passato, che questo museo è un bel posto nel quale trascorrere qualche ora ogni tanto.

La mostra è divisa in tre stanze, e giocando al gioco “verbale” che tanto ama la Bentivoglio, mi viene da notare che “stanza” sta anche per "strofa", quindi, in un certo senso, visitare la mostra equivale a percorrere gli spazi tridimensionali di una “poesia” irregolare (composta da 6, 13 e 19 versi, se decidiamo che ogni verso è un'opera) che ne racconta altre. Il caso vuole che anche il mio blog, in quanto "stanze" risulti funzionale al gioco.

Mirella Bentivoglio.

Un occhio sul depliant che ho in mano, e mi rendo conto che Mirella Bentivoglio, ha un volto affascinante e denso, di quelli che non tradiscono età, eppure ha più di novant’anni; è nata nel 1922 in Austria da padre italiano, ed ha studiato in Svizzera, in Italia ed anche in Inghilterra, ciò ha forse contribuito a fare di lei una mente “aperta” e cosmopolita. La mia mente invece, si è fissata su una data e grida “coincidenze! ...verificare!”, così appena torno a casa, vado a verificare, e trovo le coincidenze che mi era sembrato di sentire. Cose da nulla, tipo l’Ulisse di James Joyce, le Waste land di T.S.Eliot, la coscienza di Zeno di Italo Svevo, la morte di Marcel Proust, che lascia così incompiuta la Recherche, e poi le avanguardie pittoriche, quelle cinematografiche. Nosferatu di Murnau e l’espressionismo tedesco, Breton e il surrealismo, Dalì, Picasso, il conscio, l’inconscio, la fisica di Einstein, che vince il premio Nobel, Benito Mussolini e la marcia su Roma. Tutto racchiuso in quattro cifre: 1922.

"Due donne che corrono" 
Pablo Picasso
1922. 

Fra le coincidenze che la mente mi chiede di verificare, c’è anche un possibile punto di incontro fra Nori e Mirella. Nori, nata a inizio secolo, muore nel 1968 per via di un tumore. Come è noto passa molti anni in manicomio, nel chiuso di un ambiente asfissiante e “circolare” giacché non prevede aperture all’esterno, praticamente l’opposto rispetto alla Bentivoglio, ancora lucida ed operativa, dallo sguardo sereno, "compiuto" direi.
Da una parte immagino l'autoritratto di Nori, che riflette il suo mondo e quello degli altri, dall'altro vedo lo studio e la pratica delle neo avanguardie per Mirella, che a questo destino sembrava predestinata per diritto di nascita.
Il gioco degli specchi somiglia a volte, ad una forma di vanità, tuttavia, non resisto alla tentazione, e mi trovo davanti a due donne atipiche rispetto al loro tempo, due artiste quando la maggior parte delle donne erano legittimate ad essere al massimo creatrici del creato, attraverso il parto, cose da donna insomma. Poi ci sono le date. Il ventidue è quando Mirella viene al mondo, e il ventiquattro è quando Nori si trasferisce a Firenze con la famiglia, e "nasce", artisticamente stimolata dal contesto. Qui frequenta l’ambiente artistico dei macchiaioli, dei quali subisce l’influenza, cosa evidente soprattutto nelle tele del primo periodo.
Dovessi concedermi ulteriori “licenze poetiche”, direi che la vita di Mirella Bentivoglio evoca in me le suggestioni del vento, Nori invece, che considero sorella di altri tempi, mi porta le impressioni del fuoco su un groviglio di funi annodate che nessuno mai, nella storia dei mondi, ha saputo snodare.

Luce.
Costellazioni. 

Ruota.
Spezzata.

Madre.
Figlia.

Vissuta.
Consumata.

Viva.No.

Crea(a)zione.

"Per ogni persona c'è un'immagine da trovare che turberà l'intero universo"  Dora Maar

Dora Maar. 
Fotomontaggio verso anni '30. 

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Attingo alle definizioni di Simona Zava per raccontare le ricerche dell’artista, iniziate in campo giornalistico, usando quindi una scrittura oggettiva, affatto artistica, sintetica, oltre che attenta al fatto concreto (Penso alla Fallaci che iniziò allo stesso modo), e poi si dà alle prime elaborazioni di poesia concreta in cui la parola ha più importanza rispetto all’immagine. Come realizza i suoi lavori? Con la tecnica del Collage e con tecniche grafiche. (Leggo dal web che questi procedimenti intendono recuperare tecniche già usate storicamente dalle arti minori, in cui il reale viene percepito in concreto, senza ricorrere all’illusione pittorica con l’intento di dar vita ad una tecnica pittorica in cui l’arte possa competere coi mezzi di comunicazione). In un secondo momento l’artista si occupa di Poesia visiva composta in egual misura da parole e da immagini, e sviluppa in seguito, una forma di poesia oggetto, ovvero oggetti verbalizzati, creando quindi una vera performance che si basa sull’uso “trasgressivo” della parola, nasce in questo modo la “poesia azione”.

La parola, così come la semplice lettera, diventa una costante che, proprio perché insistita, si erige a simbolo, una cassa di risonanza che si apre ai molteplici significati del termine, dei suoni che produce, spingendo il fruitore ad una riflessione metalinguistica, che passa cioè dalla lingua e dai suoi simboli grafici, per arrivare a significati più complessi, che si spingono fino all'alchimia (…del verbo, avrei scritto, ma avrei creato parentele con una poesia di Rimbaud che non mi sembra somigliare troppo allo spirito della Bentivoglio)

"...La O come lettera dell'alternativa. Come segno del tutto vuoto/tutto pieno, della regressione e della potenzialità. Come uovo archetipo, al quale hanno fatto riferimento prima di lei, grandi artisti come Beato Angelico e Piero della Francesca. L'uovo come "mio segno costante", dice l'autrice, "emblema della vita, simbolo cosmico della perpetuità e dell'origine".  L'uovo come simbolo e come oggetto del quotidiano. Come emblema filosofico e come commestibile che porta con sé il profumo delle faccende domestiche. Come significato alto e basso allo stesso tempo, inscindibili. L'uovo è una sorta di linea d'ombra. E' una soglia. Da una parte ci pone al riparo dagli "eccessi di anima" (Barilli) e dall'altra ci protegge dagli eccessi di materialismo dilagante." (Da :www.amnesiavivace.it )

Mirella Bentivoglio.

“All’inizio degli anni Settanta la presenza femminile nel panorama dell’arte era davvero sconfortante. Non per qualità delle opere, ma per consistenza del numero di artistee per una seria difficoltà di accesso alle esposizioni, alla critica e al mercato. A quarant’anni di distanza la situazione è radicalmente cambiata, anche in Italia. Una parte del merito spetta sicuramente a Mirella Bentivoglio.” Da Donazione della Bentivoglio al Mart.

Mirella ha avuto un ruolo molto importante nello sdoganamento del “genere” nelle arti, e inuna biennale a Venezia del 1978, nelle vesti di curatrice, ha presentato l'unica rassegna storica di ottanta artiste donne, fatto del tutto nuovo e coraggioso allora, inoltre ha esposto più volte alla National Museum of women in the arts a Washington, tuttavia, non ama pensarsi “femminista”, perché è convinta che uomini e donne abbiano le stesse abilità creative, a prescindere dal sesso. 

Sembra quasi contraddittorio il fatto di non invocare la bandiera femminista dopo aver presentato una biennale di sole donne, che quindi ha escluso gli uomini, ma il senso della provocazione è chiaro, così come lo sono le sue parole ed i suoi risultati concreti sul tema.


Colgo l'attimo per elencare qualche traccia di "pedigree" d'artista.
Mirella Bentivoglio partecipa a più di 800 mostre collettive;

Alla Biennale di Venezia partecipa nel 1969, 1972, 1978, 1980, 1986, 1995.
Alla Biennale di S. Paolo partecipa nel 1973, 1981, 1994.
A Documenta di Kassel nel 1982.
Al Centre Pompidou di Parigi nel 1978, 1981, 1982.
Alla XI quadriennale di Roma nel 1986.
Nella sezione Emergenze storiche di Peggy Guggenheim collection a Venezia nel 1994.

Inoltre realizza circa 60 personali in Italia, Spagna, Germania, Inghilterra, America del sud e del nord. La sua ultima mostra, si è tenuta al Museum of art di Pomona collegedi Clermont in California. (Gennaio-maggio 2015)

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Qualche riflessione su alcuni lavori visti, senza un ordine preciso.

L'ovo di Gubbio. Pietra. alto 230 centimetri. Anno 1976 
La parola "Ovo" è dialettale, forse l'artista ha preferito un riferimento alla lingua antica, quella che precede l'omologazione (necessaria) della lingua istituzionale, cioè l'italiano, che direbbe "Uovo", togliendo un po' di "rotondità" alla O che segue la prima lettera e che graficamente ricorda la sua opera. Lettera come materia.
Si tratta di un' istallazione di grandi dimensioni, a forma ovale composta da frammenti di sassi irregolari e di media grandezza. L’opera venne istallata a Gubbio vicino ad una chiesa a mattoncini rettangolari e stretti. Un giorno fu intaccata da un camion durante una maldestra retromarcia, e l'artista non volle riparare il danno, né creare una nuova scultura, perché quella, disse (a grandi linee), aveva compiuto il suo ciclo vitale, e dunque bisognava lasciarla tornare alla natura che l'aveva generata. Qualcosa di molto simile è successo quando la pioggia battente ha distrutto un suo lavoro dal titolo "Land art", un libro fatto con la terra. "La natura ha completato l’opera". 

Tornando all'Ovo di Gubbio, fra le simbologie possibili, l’artista include una intuibile associazione donna-fecondità, ma anche un meno intuibile riferimento alla lapidazione,che è il contrario della vita di cui prima."lapidazione" è un nome femminile singolare, ma è messa in pratica sistematicamente e secolarmente dagli uomini -plurale-, quasi sempre contro le donne, con pretesti "di fede"...un discorso tutto al maschile ("in nome del padre, del figlio e dello spirito santo" per quanto ci riguarda...in nome di Allah o chi per lui in altri contesti.) in pratica però, l'omicidio violento e sadico somiglia più  ad un istinto di dominio assoluto attraverso la paura, e quindi la sottomissione da imporre all'altro. La morte dell'una sia esempio per le altre, e le altre sono le madri, le mogli, le sorelle di chi nei secoli ha lanciato sassi contro la vita chiamandola legge o giustizia.
Questa è forse l'opera che più mi ha riguardato, perché è storia antica ma attualissima.  Un Ovo e un Sasso, incarnano per me gli estremi assoluti ai quali la natura e la civiltà "maschia" ci collocano da tempi immemori.

"Mirella Bentivoglio explores the relationship between language and image in her art. "Language is not only bureaucracy and power" she explains, "it belongs to history, to a domestic history where women had a large part. It is the women who give language to the human being in his first years of existence." 
Traduco: 
"Mirella Bentivoglio esplora la relazione fra linguaggio ed immagine nella sua arte. 'il linguaggio non è solo burocrazia e potere', spiega, "esso appartiene alla storia, alla storia domestica in cui la donne hanno avuto un grande ruolo. E' la donna che insegna il linguaggio all'essere umano nei suoi primi anni di vita" 
da: clara.nmwa.org
«C’è da credere a un rapporto profondo tra la donna e l’alfabeto, e non solo perché per prima ne trasmette la forma ai figli. »
(M.Bentivoglio, Introduzione a Materializzazione del linguaggio, Biennale di Venezia, 1978)

"Madre e materia hanno la stessa matrice, e la donna è stata emarginata nella materia, per la donna il linguaggio non era la burocrazia, o il potere, era la comunicazione, era il rapporto coi figli, e chi ha dato a lei il linguaggio? Era la donna! Perché era lei che lo dava, anche all’uomo, poi l’uomo ne faceva un uso, anche contro di lei, ma era lei .. per lei il linguaggio è un getto, è fisico"  Link a un video you tube dal titolo: "Lettere scarlatte VIII Biennale Donna Ferrara". 

L'intervento dell'artista si trova verso il dodicesimo minuto. -consiglio di tornare sui link solo a fine lettura, per non perdere il filo. 

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Dorfles: « Cosa rappresenta ormai il libro stampato? Fino a quando questo curioso oggetto rettangolare e pesante gremito di piccoli caratteri grigi e monotoni continuerà a "informare" l'uomo attorno ai grandi e piccoli problemi della vita? Non mi sembra assurdo ne improbabile che già oggi è la TV, sono le scritte pubblicitarie, i cartelloni, il cinema, e in una parola, la ubiquitaria presenza d'immagini artificiali (o rese tali dalla loro riproduzione e trasmissione meccanica) a popolare l'universo urbano, a informare su ogni settore dell'attività umana, a sostituirsi alla parola scritta per trasformare sempre di più la nostra civiltà in un'epoca dominata dal culto e dal mito delle immagini.»   La battaglia che la superavanguardia sta oggi conducendo verte proprio su questo punto:fare uscire la poesia da quel "nascondiglio" che ormai rappresenta il libro per collocarla al livello dei mezzi di comunicazione di massa. Dal saggio di Lamberto Pignotti. (Link a fine post) 

“Il cuore della consumatrice ubbidiente” 1976.

Qui mi torna utile la riflessione che ho citato in merito al linguaggio nuovo, ibrido, e manipolatorio della pubblicità che oggi è il più praticato, subito, incontestato, e che quindi necessita della giusta diffidenza nella speranza di imparare a recepirlo con spirito critico. Anche la "pubblicità" è un nome femminile; in inglese, lo "spot",comunque, poi sono state a lungo le donne le referenti per antonomasia, perché a loro è storicamente spettato il ruolo di fare la spesa, di aggirarsi coi carrelli lungo le autostrade dei negozi, diventati poi centri commerciali, ovvero dei moderni luna park per famiglie e portafogli. 

Quanto all'opera, la sua astuzia risiede forse nella sua semplicità. La scritta, anche se incompleta, evoca un noto brand pubblicitario, quello della Coca Cola. Infatti se da "Coca" togliamo la prima lettera, otteniamo "oca", e in inglese avrebbe poco significato. Da noi invece, designa un animale ma anche un certo modo di vivere acritico e scialbo che alcune donne scelgono di "indossare". Il titolo ha un forte potere di indirizzamento. Una consumatrice obbediente non può sviluppare alcun senso critico, o non sarebbe più obbediente, e di certo sarebbe meno consumatrice. La sua condizione di "oca" la costringe fra le parentesi della...pubblicità.

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L'inconscio androgino (Je suis) 

L'inconscio androgino (Je suis) Tecnica mista su carta. 28x40 Anno 1979-84  

La lettera, l'immagine. Nella corsa alle libere associazioni, non ho potuto non pensare aNadja di André Breton -1928- che inizia con una domanda: "Qui suis-je?" cioè chi sono? Quello è un testo surrealista, e fornisce diverse risposte alla domanda. Qui abbiamo un'affermazione. IO SONO. Il pronome è "maschile", stando al disegno, ma l'essenza è femminile. Anche se, mi sembra, questo riferimento sull'inconscio senza sesso, sia legato all' idea che si può essere artisti a prescindere dal sesso, e a patto di avere qualcosa da dire. Infatti il tema è quello dell'inconscio.
Dell'opera amo anche il senso del vissuto che proviene dall'umidità.

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Ti amo
Collage e letraset
70x50
1970 

“Am” evoca il suono onomatopeico dell’atto di mangiare, oltre che una fase infantile di apprendimento del linguaggio… forse è anche riconducibile al desiderio di “divorare” l’altro… masticarlo, farlo proprio. E non a caso, siamo come per "Oca", ai confini del linguaggio bulimico della pubblicità, che ha per fine primo ed ultimo, l'invito al consumo.

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Citare tutte le opere viste, renderebbe molto lungo questo percorso, e toglierebbe il piacere della visita al museo, quindi vi invito ad andare a Ripe, e a sfruttare la presenza di addetti ai lavori disponibili e preoccupati di rendere il museo uno spazio vivo, quindi è una bella esperienza da vivere, inoltre, vi porterete a casa degli argomenti nuovi su cui essere curiosi, o argomenti che già conoscete da ripassare, in ogni caso, mi sembra il caso.

Ho ceduto alla tentazione di interpretare cose dal mio punto di vista, ma tenendo conto le numerose citazioni che ho elencato, e i riferimenti di Simona al museo, e il tutto va inteso nell'ottica della citazione iniziale di Oliva, secondo il quale l'arte è una domanda, non una risposta, quindi ognuno deve porsi le proprie, e non è più così scontato che avvenga.

Infine:  “Il fenomeno della poesia visiva è "esploso" solo oggi?. E perché essa può trovare ospitalità perfino in quotidiani e rotocalchi? Almeno in parte la risposta risiede già nelle premesse da cui parte l'attuale avanguardia: un discorso artistico nuovo può non essere di necessità un discorso da iniziati. In sostanza si può fare della poesia nuova attingendo non a moduli e materiali linguistici istituzionalmente pertinenti all'universo di discorso poetico (vale a dire: la poesia è una cosa che nasce dalla poesia, fatta da gente che usa le regole poetiche per altra gente che conosce tali regole), ma utilizzando moduli e materiali linguistici ampiamente usati da una data comunità linguistica. Gli odierni linguaggi della comunicazione di massa, come quello giornalistico, pubblicitario, burocratico, commerciale e molti altri, vengono appunto largamente impiegati ed elaborati in alcune sperimentazioni poetiche della nuova avanguardia, anche se in questo caso si preferisce parlare, con calzanti espressioni, di superavanguardia o di poesia tecnologica. A tal proposito è stato osservato che si tratta ancora una volta di passare dal latino al volgare: d'altronde il problema del rinnovamento della struttura e della comunicazione poetica rientra in un più vasto e generale problema culturale.”da : www.poesianet.it, saggio di Lamberto Pagnotti. 

Mirella Bentivoglio.
http://www.dinoignani.net/mirella_bentivoglio.html
La foto è di Dino Ignani, e la riproduzione non sarebbe consentita.
Spero non se la prenda, anche perché questo non è un blog a scopo
di lucro, ma di diffusione.  In caso contrario, sarà rimossa.

LINK DI RIFERIMENTO: 

WWW.MUSEONORIDENOBILI.IT 
http://www.enciclopediadelledonne.it/biografie/mirella-bentivoglio/
http://www.treccani.it/enciclopedia/mirella-bentivoglio
http://www.amnesiavivace.it/sommario/rivista/brani/pezzo.asp?id=310

http://www.fondazioneberardelli.org/libri_artista.php poesia visiva e poesia concreta . Libro d'artista.
http://www.poesianet.it/materiali8.htm Saggio molto interessante a mio avviso di Lamberto Pagnotti.

http://www.laltrogiornale.it/ articolo di Vincenzo Prediletto.

Le vacanze intelligenti con Alberto Sordi e Anna Longhi. Divertente perché ironizza sulle reazioni dell'italiano medio davanti all'arte moderna, proprio in zona biennale. 

Nori De' Nobili 

Qui invece, ho parlato di Nori De' Nobili: 

...Quasi notte, clima mite, vento quanto basta. Suono di campane che ferma il tempo e lo porta da un'altra parte. Nei paesi è un po' così.

Ripe è un posto magico, perché magici sono i luoghi che ancora custodiscono castelli, testimoni di passati remoti e di fiabe, che tanto spazio hanno avuto nella mente di noi umani del secolo scorso, un secolo che non ha saputo rinunciare a fate e cavalieri... inclusi gli innumerevoli effetti collaterali che il secolo attuale ci sta aiutando a curare con dosi massicce di cinismo, nichilismo, chiusura verso il prossimo pur nella culla illusoria del web che tutti "lega", fra uno schermo e l'altro, senza contare il gelo delle intenzioni, che non vogliono andare oltre ciò che "serve" e fa comodo. Ancora effetti collaterali! perché ciò che serve è un concetto manipolato dall'alto, e può succedere che ci renda servi "a nostra insaputa", come va tanto di moda ultimamente.  

Anche il concetto di "interessi" è  destinato ad una quantità di ambigue sfumature. 

"Quello che non ho, è quel che non mi manca"  ma non è sempre vero, non per tutti... il resto sul link: 

http://lestanzeletterarie.blogspot.it/2014/12/nori-de-nobili.html  

...Sento di dover precisare che non ho scelto Nori perché donna, non per la pietà che si potrebbe avere per chi finisce recluso in manicomio, non l’ho scelta solo perché pittrice; l’ho scelta perché il giorno del nostro primo incontro, l’insieme della sua essenza, che tutto ciò include, ma non preclude il resto, è giunto a me, passando da un volantino visto in biblioteca e poi dimenticato, ritrovato per voce di un’amica che mi ha caldamente consigliato di andare a vedere questa mostra, e poi dal caso, che quel giorno mi ha portata a Ripe –Trecastelli- (Marche), e mi ha permesso l’incontro diretto con l’artista, con le sue energie –plurale- espresse a colori su tele, cartoni, compensati, fogli, e usando olio e tecniche varie. Di Nori, amo la complessità dell’intelligenza, che considero asessuata. L’amerei anche se in vita fosse stata un uomo.  Il resto si trova nel link che segue: http://lestanzeletterarie.blogspot.it/2015/03/nori-donna-tra-le-donne.html

Il post si trova anche nel mio blog:

Le stanze letter@rie.: Mirella Bentivoglio.: ... Ospite al museo Nori De' Nobili fino al 5 luglio 2015.  L’arte non è mai una risposta,  è una domanda. A.B. Oliva “ il...